Song Sweet Song

Last.fm - Os Melhores de 2011

2012-01-17T11:55:00.000-08:00

Eu tenho um vício por estatísticas. Ainda mais de coisas que eu gosto, como música. Por isso o Last.fm caiu como uma luva pra mim, site que uso há mais de 3 anos!

O Last.fm não está me patrocinando, mas preciso falar bem deles: o site se baseia em um plugin chamado "scrobbling", onde todas as músicas que você escuta no seu pc são registradas no seu perfil. Nele temos estatísticas sobre tudo o que você ouve (exemplo: eu tenho 2115 execuções do Radiohead, sendo que a música deles que mais ouvi foi Nude, com 131 execuções), além de recomendar bandas baseado no seu gosto, ter rádio online, perfis com informações sobre todas as bandas, etc, etc.

O que importa é que, tendo o controle dos números sobre o que todas as pessoas ouviram no ano, eles tem o poder de criar uma lista baseado não em um gosto pessoal de alguém, mas nas estatisticas arquivadas no site. E se você pensa que apenas o mundo pop teria ingresso a uma lista desse tipo, você está enganado! Trago aqui alguns comentários sobre a tal lista dos melhores de 2011 formulada no site, visando obviamente a galera indiezinha bacana que aparece por aqui no Song Sweet Song!

~~ INTRUSO NO PÓDIO
Certo, vocês notarão que muitas bandas "do nosso time" pipocaram na lista, mas não teve como tirar o pódio das grandes cantoras pops! Pelo menos o primeiro lugar fechou com Adele, que se vocês se lembram, na minha lista de melhores de 2011 apareceu em 4º lugar. O segundo fechou com Lady Gaga, infelizmente sem surpresas até esse momento, até que chegamos no terceiro lugar e temos quem? Quem? FOSTER THE PEOPLE! Na frente de Britney Spears e todas outras celebridades pops que você possa imaginar! Pra uma banda toda hipster, que lançou seu primeiro álbum ano passado, ser a terceira mais ouvida é um feito e tanto. Se bem que, analisando todos os feitos dessa banda em um ano só, o bronze fica até pequeno. Participação nos maiores festivais do mundo, música tocando em todas as rádios inglesas e americanas, reconhecimento de grandes artistas, escolhida como dona da melhor música do ano pelo conceituado blog Song Sweet Song... (há)

Foster the People, 3º lugar

~~ MEUS ESCOLHIDOS
No post passado vocês viram minha lista, então fui à caça entre as semelhanças dos meus escolhidos com o que apareceu no best of do Last.fm. Logo de cara temos o Foo Fighters aparecendo em 8º e a melhor banda do mundo, Radiohead (rs), aparecendo em 9º. Ótimas aparições. Ainda no top 20 temos Coldplay (13º) e - olha quem cresceu - Bon Iver (15º)!! Death Cab for Cutie já não teve o mesmo reconhecimento que esses quatro, ficando apenas em 46º. Mas ainda assim, se saiu bem melhor que Cold War Kids, que não apareceu entre os 100 melhores do ano :(
Tudo bem CWK, vocês ainda tem a primeira posição aqui no meu blog :(

Foo Fighters, 8º lugar

~~ SURPRESA!!!
A maior surpresa da lista fica sem dúvida com o bronze do Foster the People, mas temos outros destaques desse tipo aparecendo. Por exemplo, Fleet Foxes quase entre as dez melhores, com um honroso 12º. E o que dizer do Beach Boys, banda lendária da década de 60, surgindo em 41º? Logo em seguida outra banda antiga que já falei aqui no blog, a qual eu fui no seu ótimo show ano passado: Roxette (42º)! Por fim, tivemos a fofa da Feist aparecendo em 82º. A posição é baixa, mas os fãs da Feist sabem o quanto ela é boa e mesmo assim não recebe o devido reconhecimento...

Fleet Foxes, 12º lugar

~~ NOSSO TIME
Alguns nomes bonitos que se destacaram nessa lista, os quais já apareceram nesse blog, ou vão aparecer esse ano: The Strokes (7º), Incubus (14º), James Blake (16º), The Vaccines (17º), The Decemberists (26º), White Lies (34º), Arctic Monkeys (35º), Florence + the Machine (37º), Beady Eye (40º), Bjork (43º), Red Hot Chili Peppers (47º), Mogwai (56º), Gorillaz (57º), The Antlers (71º), The Black Keys (79º), Kasabian (84º), The Kooks (94º), The Pains of Being Pure at Heart (100º)

The Strokes, 7º lugar

______________

obs:
1. Podem me adicionar no meu perfil do Last.fm, só avisem que me encontraram pelo blog :)
2. O last.fm registrou mais de 11 bilhões de execuções em 2011, o que fortalece bastante a lista, que você pode encontrar completa clicando aqui!
3. Caso encontrem mais alguma banda na lista que você acha que poderia ser "do nosso time", poste pra mim nos comentários, eu provavelmente nunca a ouvi e ficarei feliz de estar conhecendo mais coisas boas! o/

TOP 5 - Os Melhores de 2011

2011-12-28T12:55:00.000-08:00

É uma tradição de fim de ano entre os blogs de música. E eu fugi dela no ano anterior.

Com uma ideia de manter o blog apenas como um banco de dados de análises e recomendações, eu não criei uma lista com as melhores de 2010.
Mas nossas idéias mudam, e resolvi fazer o blog um pouco mais maleável para o ano que vem, com posts mais diversos, desde que estejam tratando de música, recomendações, etc.

Por isso esse ano encarei a ideia de fazer uma lista, e eis o top 5 das minhas músicas e álbuns internacionais favoritos de 2011! Ah, esse ano resolvi também que iria olhar com mais carinho para as produções nacionais, e estou conhecendo muita coisa boa. Para não abandonar o Brasilzão aqui no blog, eu, Gabriel Pozzi, convidei a queridíssima Gabriela Petrucci – do blog Psiquê Cotidiana – para montar um top 5 dos melhores álbuns nacionais de 2011.

Espero que gostem! Mandem nos comentários as SUAS favoritas! ^^

TOP 5 – OS MELHORES ÁLBUNS INTERNACIONAIS

5º – Death Cab for Cutie – Codes and Keys

4º – Bon Iver – Bon Iver

3º – Radiohead – The King of Limbs

2º – Foo Fighters – Wasting Light

1º – Cold War Kids – Mine is Yours

Dando aquela espiada nas listas de blogs bacanas, é engraçado notar como ninguém se lembrou de Cold War Kids. Será que o fato do terceiro álbum da banda ter saído em Janeiro fez com que se esquecessem deles pra montar a lista 11 meses depois? Ou será que só eu considerei o álbum fantástico a ponto de escolhê-lo como o melhor de 2011? A verdade é que Cold War Kids tem aquela fórmula encantadora de criar músicas que grudam na sua cabeça, sem que isso seja irritante ou desagradável. Pelo contrário, quando você se pega cantando alguma música deles há aquele momento “Oh, Cold War, que bom te ouvir de novo por aqui na minha mente”. Tudo que me fascinou no disco de estréia “Robbers and Cowards” esta em Mine is Yours, o meu álbum favorito de 2011!

É preciso deixar claro que vejo Wasting Light, do Foo Fighters, como o álbum mais influente do ano, afinal, Dave Grohl é uma espécie de soberano no rock dos dias de hoje, e quaisquer movimentos seus está sendo observado por todo o mundo, que aguardou, escutou e adorou o novo álbum do Foo Fighters. Um pouco impossível não gostar...

Quanto à Radiohead, eu tentei evitar, mas cá estão eles com The King of Limbs na terceira melhor posição. Bem, tentem ver pelo meu lado: é minha banda favorita, ouvi o álbum um milhão de vezes, adorei todas as músicas... Seria impossível deixá-los de fora dessa lista, com esse lindo disco quase-dubstep da banda!

Por fim, Bon Iver e Death Cab for Cutie fecham a lista. Ambos se assemelham em um sentido: criei fortes expectativas com os álbuns deles, e estas foram muito bem supridas. Bon Iver passou pelo desafio do segundo álbum com maestria, e sua obra homônima conquistou todos seus ouvintes com facilidade. E Death Cab for Cutie, com Codes and Keys, fez algo na linhagem de seus dois últimos álbuns, sem deixar pequenas inovações de lado, criando um álbum que repete a fórmula dos anteriores, sem se tornar mais do mesmo. Merecido quinto lugar.

TOP 5 – AS MELHORES MÚSICAS INTERNACIONAIS

5º – Death Cab for Cutie – You’re a Tourist

4º – Adele – Someone Like You

3º – Coldplay – Every Teardrop is a Waterfall

2º – Radiohead – Bloom

1º – Foster the People – Pumped Up Kicks

Dessa vez, não tem como disputar. Foster the People levou fácil esse primeiro lugar. Vale ressaltar que é muito difícil para uma banda que acabou de lançar seu primeiro álbum sair por aí estrelando na lista de melhores de vários blogs. Sim, não fui o único que coloquei Pumped Up Kicks no topo da lista. Mais do que estar em listas, o Foster the People está entre os mais premiados e cobiçados artistas para festivais e apresentações mundo afora. Vide nosso Brasilzão, que já sugou a banda para o Lollapalooza em abril do próximo ano. E o carro chefe desse sucesso é Pumped Up Kicks, que ficou entre as mais ouvidas do ano em diversos países tradicionais, como Estados Unidos e Inglaterra. Sem contar os inúmeros covers de artistas renomados, como The Kooks, Weezer, Panic! at the Disco...

Bloom, do Radiohead, é a única música desse top 5 que não foi escolhida como carro chefe para seu disco, mas posso garantir que ela é a mais incrível do cd! Apesar de The King of Limbs não ter sido uma unanimidade entre os fãs de Radiohead, Bloom foi vista por todos como uma das melhores composições da banda nos últimos anos.

E se o Coldplay resolveu assumir sua nova sonoridade, mais popularzinha, mais felizinha, mais guitarrinha e tudo mais, a gente tem que se adaptar a eles, certo? Bem, não é assim que todos pensam, mas foi olhando por esse ponto que eu deixei de rejeitar as inovações da banda de Chris Martin, e coloquei Every Teardrop is a Waterfall entre as melhores do ano. Eles podem não retomar aos clássicos dos dois primeiros álbuns, mas continuam com muita qualidade!

Adele cumpre um pouco de tabela, e mostra que não sou tão clubista assim com a galera indie (ou sou?). A verdade é que não consigo gostar de cantorar pops, de forma alguma, e Adele foi uma luz no fim do túnel, representando a única cantora pop que ganhou meu respeito nos últimos, sei lá, 20 anos? Fato é que Someone Like You toca em qualquer lugar que você vá, é bonita, agradável, merece estar figurando entre as melhores do ano.

Por fim, Death Cab for Cutie encerra a lista DE NOVO. Seu carro chefe, You Are a Tourist é de uma inspiração tremenda, desde o baixo até as guitarras agudas e marcantes, elevando o humor de quem a ouve, sem sombras de dúvida.

~~ com a palavra, Gabriela Petrucci!
Depois de muitos meses discutindo e apresentando bandas nacionais pro Pozzi, tive a honra de ser convidada para fazer um TOP 5 dos melhores discos de bandas independentes nacionais. Que fique claro que eu sou leiga e não entendo nadinha de música, mas tenho bom gosto.
Lá vamos nós:

TOP 5 – OS MELHORES ÁLBUNS NACIONAIS

5º – Los Porongas – O Segundo Depois do Silêncio

4º – Pélico – Que Isso Fique Entre Nós

3º – Cícero – Canções de Apartamento

2º – Apanhador Só – Acústico Sucateiro

1º – O Teatro Mágico – A Sociedade do Espetáculo

Como já sugere o título do álbum, referência à obra homônima de Guy Debord, este trabalho d’O Teatro Mágico traz muitas críticas sociais, mas sem perder o romantismo, é o caso, por exemplo, da música Fiz Uma Canção Pra Ela, que traz uma declaração de amor sem subjugar a mulher.
O disco traz, também, uma musicalidade diferente - que em primeiro momento pode soar até um pouco estranho aos que não estão acostumados – incorporando elementos de diversos estilos musicais, como o funk, no caso de O Novo Testamento, e música gaúcha, Canção da Terra, música que demonstra o apoio da trupe ao Movimento Sem Terra.

Seguindo a linha das musicalidades mais exóticas, o disco Acústico Sucateiro, da banda gaúcha Apanhador Só, traz versões acústicas do disco anterior, que leva o nome da banda. A ideia da banda é incorporar “instrumentos” caseiros, como sacola plástica, nas apresentações acústicas, que geralmente acontecem em lugares menores.

Enquanto o Acústico Sucateiro e A Sociedade do Espetáculo buscam uma musicalidade diferente através da apropriação de outros elementos, o cantor Pélico se diferencia pela simplicidade de suas canções, que são mais suaves e brincam com as palavras.

Em contraposição aos três álbuns já citados, Canções de Apartamento e O Segundo Depois do Silêncio trazem estilos mais tradicionais, o primeiro com uma bossa-nova cheia de influências, com músicas mais românticas. O segundo é um rock mais convencional, com letras que refletem sobre o silêncio, nos causando a impressão de que a banda procura preenchê-lo com sua música.

Kings of Silence

2011-12-11T08:41:00.000-08:00

No último dia 08 de dezembro, a dupla Kings of Convenience fez uma apresentação em uma casa de shows de São Paulo. E foi polêmica!

Na única vez que falei sobre esta dupla norueguesa aqui, como uma premonição, eu disse que eu estava confirmado no show deles antes mesmo da banda pensar na América do Sul. Uma semana depois, a página do facebook do Kings of Convenience anunciava shows no Brasil em dezembro! Ótimo! Eu não perderia por nada!
Depois de comprar um dos ingressos disputadíssimos, aguardei com as melhores expectativas o show, tal como o grupo de amigos que me acompanhou. E ela não foi exatamente o esperado...

Não, eu não estou decepcionado com a apresentação! Vamos aos fatos: a dupla é formada por Erlend Øye e Eirik Bøe, duas figuras estranhas e engraçadas, que mostraram seu lado "sorrisos e piadas" rapidamente, como o imaginado, mas mostraram também um lado de impaciência e incompreensão; em verdade, praticamente no final de todas as músicas, Erlend reclamava do barulho da platéia. Às vezes com piadinhas ("O silêncio é o terceiro membro do Kings of Convenience"), às vezes com rispidez ("Vocês não conseguem ficar quieto?"), o que poderia ter sido algo natural, mas virou algo marcante sobre esse show, pois diversas discussões surgiram à partir disso.

O interessante é ver que, nos comentários pós-show que acompanhei nas redes sociais, houve uma clara divisão em duas opiniões:
1. "Brasileiro não sabe se comportar, não entende que o show é intimista, que precisa de silêncio total pra tudo dar certo, e a banda tem todo o direito de chamar atenção sequencialmente"
2. "Erlend não sabe lidar com o público! No Brasil o público é diferente do europeu, é acalorado, gosta de pular, cantar, e estava lá para se divertir, mas a dupla criou um clima de repressão que impediu isso"

Bem, é engraçado notar que no fundo, ambas opiniões tem razão, afinal, em uma apresentação feita integralmente sob dois violões, e em um lugar cuja acústica não é grande coisa, o silêncio se torna necessário. No entanto, a obsessão por silêncio e as diversas broncas, foram derrubando a excitação local de estar diante do Kings of Convenience, e aparentemente Erlend não compreendeu isso.

Minha opinião: quando digo "Erlend", e não "a banda", é justamente porque ele é o que mais aparentava estar incomodado. Eirik pediu silêncio também, mas estava muito mais bem humorado, e tomou cuidado para não bancar de chato, conversando e brincando muito mais do que se preocupando com barulhos de garrafas que vinham do bar no mezanino. Erlend não tomou esse cuidado. Creio que ele estava sim no seu direito de pedir silêncio, mas às vezes ele agia absurdamente; por exemplo, quando tapava os ouvidos quando o público aplaudia efusivamente ao final de suas músicas! Ou então, ao pedir que parassem de acompanhar as canções com palminhas, permitindo apenas estalar os dedos. No auge, reclamou com a platéia quando poucos estavam acompanhando um difícil coro de "aaaaaaah" e "ooooooh": "Certo, vocês não conseguem fazer silêncio, não sabem cantar, nem estalar os dedos... estou decepcionado". Muitos foram embora nesse momento.

No final, as coisas melhoraram nesse sentido. Erlend começou a deixar de se importar com ruídos mínimos, e começou a aproveitar o show junto com a gente. Eirik, que até parecia constrangido com algumas colocações do amigo, mostrou-se feliz de estar lá, cantou "Corcovado" em português, tocou uma música a pedido de alguém na fileira da frente, e pareceu ter compreendido melhor o que é uma apresentação no Brasil.
(Prova dessa melhora é que, aparentemente, no show seguinte feito no Rio de Janeiro a dupla estimulou o barulho, pediu que batessem palmas e cantassem alto as músicas).

Por fim, musicalmente, o show foi impecável. Impressionante como tocam e cantam bem. Faltou o terceiro membro do grupo, o silêncio, talvez tenha faltado o quarto, o carisma do Erlend, mas não faltaram qualidade e perfeição na execução de suas canções. Como praticamente 100% de suas músicas são maravilhosas, nem precisava se preocupar quanto ao setlist. Era apenas admirar e se encantar com tamanha competência. No fundo, é o que importa para o show. Afinal, se essas atitudes acabassem com o show, Oasis não teria conquistado um fã se quer no mundo!

Ah, mais uma coisa: na última música, Erlend falou comigo! Sério. Olhou pra mim e me pediu uma palheta. O que é triste, porque eu entendi tudo o que eles falaram o show inteiro, MENOS no momento que ele falou comigo. Só entendi quando ele gesticulou, MAS VEJA BEM, por que eu teria uma palheta no bolso na hora do show? Eirik o cutucou no ombro e entregou uma das suas.
Até agora, eu não sei como se fala palheta em inglês.

***

ps: Isso não é uma resenha, é apenas uma visão minha dos fatos que aconteceram no Cine Jóia naquela noite. Espero que não tenha passado uma impressão ruim disso, porque foi excelente! After all, amei o show e a companhia! ;)
Se puderem, dêem suas opiniões! Apesar de não estarem lá, o que acham sobre isso tudo?

Radiohead - Exit Music (For a Film)

2011-11-29T05:48:00.000-08:00

Momento deprê no Song Sweet Song! :'(

Não, relaxem! Nada de mal anda acontecendo, a vida continua bela, e sempre há motivos para sorrir! Então, NÃO, eu não estou postando uma música bem depressiva por causa de algo pessoal. A questão é que eu já tenho quase dez músicas do Radiohead postadas no blog e ainda não falei sobre EXIT MUSIC (FOR A FILM), que para mim é uma das melhores da banda! E apesar de eu ter certeza que não é todo mundo que curte uma melodiazinha down, eu creio que uma hora eu teria que postar essa aqui, e será AGORA!

Engraçado. Muitas pessoas consideram The Smiths uma banda deprê (mesmo sendo aquela típica construção: melodia feliz com letra pra baixo). Certa vez minha namorada escreveu pra mim em uma mixtape de aniversário que "se você considera Smiths deprê é porque você já ouviu How Soon Is Now". O fato é que, pra mim, deveria ser a mesma coisa com Radiohead: se você já ouviu Exit Music, você os considera uma banda fossa! Mas não é assim, poucos conhecem essa música, e mesmo assim tem esse conceito sobre eles! Se você é uma dessas pessoas, quando você der play agora, meu amigo... você vai subir Radiohead em um nível no seu "Suicide Bands Ranking"!
Pois Radiohead é minha banda favorita (sério mesmo? nenhum leitor jamais percebeu isso no blog!). E considero Exit Music a mais fossa deles! Mesmo não sendo um expert, eu tenho parâmetros pra dizer isso, pelo menos, sim?

Certo, à música! Exit Music tem uma base em violão, com alguns sons naturais ao fundo, enquanto Thom Yorke canta os versos iniciais com uma voz em forma de lamento. Por pertencer ao Ok Computer, o violão acaba sendo atravessado por outros instrumentos mais eletrônicos, como distorções e efeitos barulhentos, que aparecem justamente em um momento que a música cresce, com bateria entrando, voz se intensificando, e tudo aquilo que cria na música um clímax, que é de arrepiar.
A letra pode ser vista como um casal pronto para fugir de casa juntos. Frases no início como "Acorde; se arrume; seque suas lágrimas; vamos escapar" nos leva a entender isso, além de dizer "antes que seu pai nos ouça e antes que o inferno exploda". Ou seja, é como se eles tivessem fugindo em uma relação ilegal, que vai contra a vontade do pai dela. Meio Romeu e Julieta. E narra alguns momentos um pouco desesperador, parecendo uma descrição de alguém que vive no frio da rua.
Por fim, é claro, no ápice da canção, algo mais agressivo, e a emblemática frase que encerra a música: "We hope that you choke"* (Esperamos que você fique sufocado), o que combina inteiramente com a música, já que nesse momento você está se sentindo sufocado de fato!

Apesar de o nome sugerir que essa seja uma canção de fim de filme, algo para os créditos, eu creio que combina com qualquer momento no auge dele; Aquela cena dramática, que explode em raiva, que normalmente torna o filme marcante. Pois para o Ok Computer, Exit Music é um desses momentos marcantes.

*a frase "We hope that you choke" está na contracapa do álbum Ok Computer, um pouco oculta, logo ao lado da inscrição "1=2". (!)

Death Cab for Cutie - I Will Follow You Into The Dark

2011-11-09T05:40:00.000-08:00

Talvez não fosse o momento mais propício para postar uma música romântica do Death Cab for Cutie. Afinal, semana passada Ben Gibbard - o vocalista da banda - levou um pé na bunda da sua esposa, a não menos famosa Zooey Deschanel (parte feminina da dupla "She & Him", atriz principal da série "New Girl").

Mas toda hora é hora de Death Cab.

Aliás, se você conhece a banda, você conhece essa música. A mais famosa deles. I WILL FOLLOW YOU INTO THE DARK é romântica de fato, mas não do jeito... Bryan Adams, vamos assim dizer. Bom, se você sabe a primeira frase da canção, sabe do que eu estou falando. Algo como "meu amor, um dia você vai morrer, mas eu estarei logo atrás... Eu vou te seguir na escuridão".
Não é o que a gente costuma ouvir em serenatas, sim? haha

De qualquer forma, Ben passa sua mensagem de forma simples e direta: "I'll be there for you"; eu estarei sempre com você! Na vida, ou até mesmo, na morte. E para isso, a melodia também é simples e direta, com um violão acústico no estilo Iron & Wine (um folk-fofo), sem nenhum outro instrumento! Praticamente uma música solo do Ben. Sem tirar o mérito dos outros integrantes da banda, é claro, que provavelmente ajudaram na composição.
Mas talvez, o principal método da música para cativar os ouvintes seja essa forma objetiva que ela é apresentada, o que cria um universo bem interessante para o Death Cab for Cutie, que oscila entre canções super simbolistas, com metáforas e (muitas) palavras difíceis, a canções restritas ao som de um piano, ou no caso, de um violão.

Mas caso queiram entrar em uma discussão um pouco mais profunda, há um momento que Ben cita uma escola católica que ele frequentava na juventude. Ele diz que uma freira lhe contou que "o medo é o coração do amor", o que pode ser uma relação contida entre os católicos e a figura divina, onde estes temem um Deus que pune, para depois amá-lo fervorosamente. Ben diz na letra que depois que ouviu isso nunca mais voltou a essa escola, mas é difícil saber se isso significa que ele abandonou a religiosidade, pois ao mesmo tempo em que a música passa sinais de que sim (já que é dito lá que a alma da pessoa não vai nem pro céu nem pro inferno, e sim para a escuridão), há vários sinais de que Ben é uma pessoa possuidora de fé. O nome do álbum desta música, por exemplo, é um desses. "PLANS", nasceu de uma brincadeira que Ben Gibbard gostou de ouvir e sempre conta em suas entrevistas. "Como fazer Deus rir? Faça PLANOS", ele costuma dizer.
Funny!

The Kooks - I Want You Back

2011-10-16T18:54:00.000-07:00

The Kooks é uma daquelas bandas folk-indie-rock que tem um som bem característico. A propósito, da última vez que falei deles (já faz um tempo), disse exatamente que eles representam um genérico, aquela banda pra você mandar para o amigo que te perguntar "mas o que é indie rock mesmo?".

Sempre com muita qualidade, raras vezes o The Kooks altera sua fórmula e cria uma música com uma atmosfera diferente. Mas I WANT YOU é uma dessas exceções!

Talvez pela temática da música, a banda resolveu dar um clima mais... sufocante à melodia! Algo que traz um pouco de solidão, embora não seja tão deprê assim quanto você está achando pela minha descrição! Dá um play então, e acompanha!
"I Want You" está no primeiro álbum dos Kooks, "Inside In/Inside Out", e fala sobre aquele momento difícil do fim de um relacionamento, onde uma das partes ainda gostaria de voltar ao namoro. É um momento complicado, ruim, que eu nem gosto muito de falar sobre, e como devem imaginar, acaba inspirando os artistas que gostam de falar sobre o amor. Creio que todo mundo já passou por esse momento (dificilmente você vai conhecer alguém que passará a vida com a primeira pessoa que gostou), e que não deixa de ser importante para a nossa vida, no processo de maturação e tudo mais... o problema é botar isso na cabeça na hora que você está enfrentando a situação!
Creio que, depois de passar por algumas experiências, o que eu poderia sugerir para alguém que está nessa é que você tem que encarar tudo como algo natural da vida e que, SIM, TENHA CERTEZA, tudo ficará bem! Um dia você irá perceber que tudo isso aconteceu para o seu bem (aparecerá até a típica frase "não era pra acontecer mesmo... estamos melhores do jeito que estamos hoje!"), e até se achará bobo(a) por ter sofrido tanto (embora seja inevitável). Segure a onda, você é capaz, e quando menos esperar, estará em outra, pronto para viver e se entregar novamente! Não tenha medo, não fique com trauma, deu errado uma vez, mas uma hora vai dar certo e vai valer a pena! ^^

Enquanto isso não acontece, curta The Kooks e sua música muito bem composta. Talvez sejam os acordes utilizados, ou a bateria em suas batidas duras e fortes, não importa, o fato é que eles reproduziram muito bem o clima de quem gostaria de ter alguém de volta. Mas olha, ouça a música sem sofrimentos, ok? Tenho certeza que o The Kooks quer muito mais que as pessoas se divirtam com suas canções do que entre em depressão, ou algo do tipo... hahaha

*ps: o nome da música é apenas “I Want You” mesmo, pelo menos é isso que está escrito na contracapa do cd que eu tenho... mas quando eu a baixei ela estava com esse nome, “I Want You Back”, e vários sites a tratam assim. Por costume, coloquei o "Back" no título ;)

The Radio Dept. - Pet Grief

2011-09-30T19:12:00.001-07:00

Sintonize-se com essa bateria, e vamos ouvir The Radio Dept.

Percebi que só falei uma vez aqui no blog dessa banda sueca (s2) que tanto adoro, e a única vez que falei foi sobre uma música instrumental. Então dessa vez eu apresento a vocês uma ótima canção, [super-bem] cantada, que provavelmente fará com que você olhe com mais carinho para essa desconhecida banda.

PET GRIEF, ou "dor de estimação" em português, é uma música que mostra, sonoramente, o melhor do Radio Dept.. A bateria, sempre um dos principais instrumentos deles, é o destaque de Pet Grief, carregando o ritmo até o fim em uma homogeneidade nem um pouco entediante, como poderia acontecer. Com aproximados 20 segundos, entra na música o sintetizador, que também contráriando às sugestões, adiciona-se como um elemento de calmaria e simpatia. Aliás, é exatamente isso que diferencia Radio Dept. de outras bandas do estilo Shoegaze: o sintetizador é melódico e calmo, deixando de lado um pouco da barulheira de costume. (Obviamente, eles também tem suas barulhentas, mas minhas favoritas são as do estilo Pet Grief). Por fim, tem o teclado, que entra mais para o final, cadenciando a canção e obrigando àqueles que a provaram a apertar "replay" quando a própria acabar.

Além do mais, a letra é ótima. Só pelo nome "dor de estimação" ela se torna interessante, não?
Fala sobre aquele momento que você vê um amigo, ou alguém que gosta muito, passando por um momento triste. Talvez você se identifique comigo ou até mesmo com o compositor da música; nessas horas, nossa maior vontade é ajudar tais pessoas, certo? Mas há momentos que não há quase nada que você possa fazer, a não ser se prestar a ouvir seu amigo e se mostrar à disposição dele. Pois é exatamente isso que está retratado em Pet Grief. Não átoa, a frase mais repetida da música é: "I'll shut my mouth for you, anything you want me to" ("eu calarei minha boca por você, qualquer coisa que você quiser de mim").

Por músicas como Pet Grief, The Radio Dept. pode ser considerado tanto do movimento Shoegaze quanto de Dream Pop, algo entre My Bloody Valentine e Beach House, o que é uma boa referência para quem conhece essas bandas. Mas para quem não conhece, tanto faz, o importante é ouvir Radio Dept. e tirar suas próprias conclusões, fazendo sua própria avaliação. E eu acredito que será a melhor possível.^^

Pinback - Loro

2011-09-18T15:56:00.000-07:00

Dá um play e... relaxa!

Olá queridões, estamos no meio de setembro, entrando na reta final do ano, época que pra muita gente significa correria, estresse, e preocupações. Pelo menos para mim, estudante pro vestibular, o fim do ano significa a época das grandes provas e um momento que pode definir minha vida. Pra muita gente que trabalha, é o momento mais puxado do ano. E acabamos de passar pelo mês mais cansativo do ano, Agosto! Então, que tal dar uma relaxada com PINBACK?

Se você não conhece a dupla, corre ali do lado nos marcadores que eu já falei duas vezes sobre eles! Se você já conhece, deve saber o quanto são excelentes, e diferente do último post (do Sigur Rós) que eu tinha certeza que dividiria opiniões, esse aqui é implacável; ouviu, gostou! A não ser que você goste de uma barulheira, tipo um metal muito pesado, e tenha algo contra músicas mais "sussas"! Mas se for o caso, eu não faço ideia de como você veio parar nesse blog!

Well... LORO é uma música extremamente gostosa de se ouvir, principalmente pelos "da da da da da" que tem durante a música, que não são exatamente "da da da", mas se você ouvir a canção e encontrar uma onomatopéia melhor, pode mandar pelos comentários que eu tento trocar! haha Ela quase não possui letra, e são até engraçadas as várias interpretações que podemos encontrar, quase como Lucky, do Radiohead.
Basicamente diz sobre dois lados, duas pessoas, duas coisas, uma que se dá mal e outra que se dá bem. A interpretação mais coerente, a meu ver, é a que fala sobre um fim de um relacionamento. O lado que se dá mal diz adeus e nunca mais consegue encontrar alguém, enquanto o outro logo supera e vai conhecer novas pessoas. Além dos "da da da", a dupla repete os números 4 9 5 3 1 por boa parte da música, dando margem à loucura da galera. Dizem que naquele alfabeto numérico (a=1, b=2, etc) teríamos "die CA", algo como "morra California", só porque eles são de San Diego! Já dispensada pela dupla essa história. Há também quem diga que era o número astrológico do ano em que a música foi feita, e que esta fala sobre dois asteróides, um que se encontra com as pessoas e outro que entra em órbita e nunca mais vai conhecer alguém HAHAHA

E quanto a "Loro", o nome da música? Essa ninguém desvendou ainda. Em italiano, Loro significa "eles". Em português e espanhol, significa "papagaio" (rs). Em inglês, significa... nada! Então meu amigo, o jeito é fechar o olho e relaxar desse fim de ano sem se questionar quanto ao 49531, quanto ao papagaio, ou quanto aos asteróides que se separaram!! Apegue-se ao "da da da da" e saia cantando Pinback por aí, sussinha da vida :)

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amanhã é meu aniversário de namoro de 2 anos com minha gatinha linda! ^^
amo você, ♥

Sigur Rós - Fljótavík

2011-08-31T15:49:00.000-07:00

Well, well... pra quem acompanha o blog sabe que já falei duas vezes sobre Sigur Rós, e sabe também o quanto eu acho a banda estranhamente maravilhosa, ou maravilhosamente estranha, acho que não faz diferença. O que eu não disse é que, dentre os cinco álbuns deles, há três que são meus destaques, meus favoritos, e eu já falei de uma música do Takk (Gong) e uma do Agaetis Byrjun (Svefn-g-Englar), então vou completar essa trinca e falar sobre uma música do meu provável cd favorito deles (já que eu ganhei de aniversário), o fascinante "Með suð í eyrum við spilum endalaust" (!).

O nome é bizarro, mas lembrem-se, é Sigur Rós. Pra começar, está escrito na língua que eles inventaram (o hopelandês), e em português significa "com um zumbido em meus ouvidos, nós tocamos eternamente". A tradução pode não ajudar muito a entender o conceito do álbum, mas o importante são as músicas! haha O álbum que tem os peladões na capa correndo de tênis é claramente dividido em duas partes: A primeira repleta de felicidade e músicas para serem ouvidas com papeis picados caindo na sua cabeça. A segunda com a melancolia típica do Sigur Rós. Claro que eu escolhi uma tristonha pra cá, a tal FLJÓTAVÍK.

Fljótavík (nome de uma região da Islandia) é uma das músicas mais triste que já postei aqui, e digo isso mesmo descartando a tradução, digo pelo instrumental e os arranjos sempre primorosamente bem trabalhados da banda, que passam uma ideia de uma cena bem deprê de filme. Quando se trata de Sigur Rós, não costumo olhar muito as letras, seguindo a ideia deles que o importante é a melodia, tanto que fazem letras em uma língua própria e o vocal de Jonsi sempre parece um instrumento agudo a mais na canção.

Algo importante é notar que esse album, lançado em 2008, é o mais recente da banda, e ele tem uma diferença para os outros: é mais acessível! Digamos que dificilmente alguma música dos álbuns anteriores seriam ouvidas na televisão ou como música ambiente de alguma lojinha que não seja na Islandia (terra deles). Isso sempre tornou o público deles bem restrito. Mas essa obra já traz uma leve tendência à uma universalização de suas músicas, ainda que o cd passa longe de ter músicas comerciais, hits de rádio, etc.
Claro que em uma hora dessas surgem fãs antigos que dizem que Sigur Rós está se perdendo, que estão apelando por popularidade, etc, etc. Bem, esses tipo de gente sempre aparece. Se aparecem até no público de Muse, que tem música no Crepúsculo e Guitar Hero, porque não apareceria entre os ouvintes de Sigur Rós, que teoricamente tem um público quase restrito ao cult? Infelizmente, essa síndrome de underground se espalha em certas pessoas. Mas o correto é não se importar e ouvir as boas músicas, que mais acessíveis ou não, continuam lindas e emocionantes, como Fljótavík! ;)

Kings of Convenience - I'd Rather Dance With You

2011-08-11T08:23:00.000-07:00

Está aí uma banda que você apresenta para as pessoas e depois fala "de nada, eu sabia que você ia adorar".

Kings of Convenience é um duo noruegues extremamente carismático e competente nas músicas que faz. Por costume, suas músicas são calmas, repletas de dedilhados fofos de violão, e trazem aquela melodia para você relaxar a qualquer momento do seu dia. Além do mais, são a cara do blog.
Por isso qualquer eu poderia fazer um post para entrar na nossa querida (e desconhecida) máfia do relaxamento, que já tem umas quatro músicas aí do lado pra vc ficar mais... sussa. Mas não, nesse #ruvisday resolvi escolher uma das poucas deles que você não só vai levantar da cadeira como vai sair dançando pelo seu quarto, de preferência da mesma maneira que dança o vocalista, o simpaticosíssimo Erlend Øye!

Sim, dessa vez não apenas ouça a música, como assista também o clipe. Veja lá no começo Øye em sua versão mirim sendo expulso de uma aula de balé só porque ele está dançando no seu mundo particular. Ele cresce, a música começa, e você com certeza vai se divertir com cada passo desengonçado do cara! Eu sei, a cada 400 resenhas que fazem sobre o Kings of Convenience, 399 falam sobre o "jeito desengonçado de Erlend Øye". Mas não tem como fugir mesmo. Ele deve ter uns dois metros de altura e dança espetacularmente mal. É hilário (e dizem que ele faz isso nos shows também haha).

Mas deixando de lado o carisma da dupla e as dancinhas de Øye, vamos falar sobre a música. Como já dito, I'D RATHER DANCE WITH YOU não é um exemplo de uma típica música do KoC, mas ainda assim é um exemplo de qualidade e boa música da última década. Cada nota da canção te faz querer dançar, o que obviamente é proposital, já que o próprio título dela diz "eu prefiro dançar do que falar com você", ou seja, não faria sentido colocar essa letra em uma das suas canções com pianinho ou violãozinho sussa. O esquema é esse, vamos dançar pra não conversar.
Além disso, a voz do Erlend é demais, eu queria ter a voz dele, pra ser sincero.

Como eu sei que quase ninguém conhece os caras, posso perguntar sem medo: Gostaram da banda? Ah, eu sabia que vocês iam adorar...

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ps: post dedicado à RÚVILA, aniversariante do dia, amor da minha vida :) dedicado também à Mirellinas, minha querida amiga que já combinou comigo de ir no show do Kings antes mesmo dos caras pensarem no Brasil. Sim, estamos confirmados lá, antes deles! ;)

Radiohead - Lucky

2011-07-27T10:51:00.000-07:00

Devo trocar o nome do blog para "Song Sweet Radiohead Song", sim? Por que não?

Uma vez mais, El Cabeza de Rádio no blog. E logo depois de falar de um clássico do Smashing Pumpkins, vamos retomar ao maior clássico do Radiohead, o álbum OK COMPUTER. Clássico é bom e todo mundo gosta.

Acompanhe comigo; do Ok Computer já temos posts sobre Karma Police e No Surprises, duas canções muito famosas, ousaria dizer que são as MAIS famosas da banda, que lançou um ótimo álbum esse ano, mas dados estatísticos de sites como o Last.fm indicam que Karma Police segue sendo a mais ouvida deles, mesmo sendo de 1997.
Em um fórum de Radiohead me pediram para falar de mais músicas do OkC. Alguns sugeriram Paranoid Android, mas resolvi falar sobre um coadjuvante do cd, já que a sugerida divide os refletores com as outras músicas citadas como uma das principais deles. Escolhi então a viajante LUCKY.

Lucky, uma vez mais, é uma música com letra difícil, que chega a ter interpretações opostas. Uma delas diz que é a canção mais otimista de Thom Yorke, e outra diz que a cada momento que o 'narrador' diz algo bom ele está sendo irônico. Fato é que são diversas frases soltas compondo a música, como "Sarah, me mate de amor", ou "hoje será um dia de glória" ou "me tire da queda do avião". E fica mais difícil saber do que se trata quando você vê a entrevista de Thom sobre Lucky: "as melhores obras dos artistas são aquelas que o resultado final não diz nada daquilo que o artista gostaria de dizer". Ou seja, nem o Thom deve saber se é uma letra de fato feliz.
Mas podemos afirmar, pelo menos, algo sobre a melodia: esta sim é muito triste e bonita. Do jeito que eu gosto (e imagino que alguns leitores também). No refrão vem o auge da melodia, uma guitarra surge ao fundo em um belo riff e torna o clima desesperador, junto com o pedido do vocalista para ser retirado do avião. Aliás, há uma interpretação que diz que o eu-lírico é um terrorista, já que a letra envolve queda de avião, dia glorioso, pedido de morte... Hahaha, que bobagem!

A grande curiosidade da música é que, dentre as frases soltas, há: "O chefe de estado me chamou, mas eu não tenho tempo para ele". Certo dia de 2005, oito anos após o lançamento do cd, Tony Blair - o primeiro ministro britânico - convidou Thom Yorke para participar de uma discussão sobre o aquecimento global. Adivinhem? Ele recusou! Thom disse que Blair não tinha credenciais para falar sobre o meio ambiente...
Grande Thomas!

The Smashing Pumpkins - Disarm

2011-07-08T19:32:00.000-07:00

Hoje um clássico aqui no blog: The Smashing Pumpkins!

Certo, todo mundo deve conhecer a banda de Billy Corgan, sim? Então aparentemente não faz sentido indicá-la em um blog de recomendações. Mas vale dizer que grande parte das pessoas conhece uma ou outra música do Smashing, excluindo obviamente os fãs - que obviamente conhecem muito mais dessa grande banda que viveu seu auge na década retrasada. Para o primeiro grupo, esse post pode valer a pena.

DISARM faz parte do segundo álbum da banda (que se formou em Chicago por volta de 1990). SIAMESE DREAM foi lançado em 1993, contendo clássicos como Cherub Rock e Today. Foi quando o Smashing Pumpkins se arriscou em músicas mais melódicas do que o seu primeiro álbum (mais roqueiro, mais pesado), chamado Gish, e foi também quando eles conseguiram alcançar mais fama, prestígio, dinheiro, ...

Quando se trata de Smashing Pumpkins eu poderia falar sobre uma gama de assuntos: sobre o ego gigantesco de Billy Corgan, ou de como os caras foram importante na década de 90, ou de como hoje em dia infelizmente se tornaram apenas uma banda supérflua para o rock (em verdade Billy desfez e refez a banda, sendo o único remanescente da original que fez sucesso. Mas a criatividade parece ter sido deixada para trás junto com os ex-companheiros de banda). Mas o assunto será de fato Disarm, uma obra que retrata o lado melancólico e, por que não, genial dos esmagadores de abóboras.

Disarm tem sua base em um violão bem trabalhado e triste, e segundo Billy Corgan, é uma melodia bonita que vai contra a idéia inicial que era escrever uma canção violenta. Sim, em entrevista Corgan revelou que a música é uma reação aos pais dele, que teriam de alguma forma estragado com sua infância. Em uma breve pesquisada você descobre que seus pais brigavam muito, chegaram ao divórcio, e Corgan e seus irmãos foram maltratados pela madrasta. Provavelmente ele queria escrever uma canção de revolta e mágoas. Mas acabou concluindo que a melhor reação contra essa infância perturbada seria escrever algo mais singelo que pudesse rebater com ternura os maltratos que teria sofrido dos pais. E como diz a própria letra, Corgan resolveu desarmá-los com um sorriso.

Embora a letra seja pessoal e de difícil interpretação (nessa mesma entrevista Billy Corgan confessou que dificilmente irão entender o que ele dizia na letra já que foi baseado no que ele viveu, em situações muito específicas), é difícil não gostar da música. Todos os meus amigos que conhecem e gostam de Smashing Pumpkins colocam Disarm entre as melhores. E se você não conhecia essa, espero que tenha sido uma boa recomendação, porque apesar dos Pumpkins atuais serem apenas sombras do que foram no passado, há muita coisa boa para se resgatar deles.

Say Hi to Your Mom - Northwestern Girls

2011-06-17T20:21:00.000-07:00

It must be in the air.... HEREEEEEE!

Faz muito tempo que eu falei de Say Hi to Your Mom aqui no blog, com uma única música, a querida Pop Music of the Future. Hoje trago uma segunda música da banda-de-um-homem-só para vocês: NORTHWESTERN GIRLS.

A canção vem do álbum The Wishes and the Glitches (lançado em 2008), que marcou uma renovação na "banda". Foi nesse ponto que foi retirado o "para sua mãe" do nome, deixando apenas o "diga oi". Sim, hoje a banda atende apenas por Say Hi, mas vê se alguém parou de chamá-los de Say Hi to Your Mom? Esse álbum também procurou dar uma renovada no som deles. Eric Elbogen, o rapaz por trás do Say Hi, sempre trabalhou com muita repetição e efeitos computadorizados, nada muito eletrônico, apenas mais modernete. Nessa obra ele procurou um som mais calmo e limpo que pudesse servir como um refresco para quem o ouve. E deu certo.

Bem verdade que quando eu falei da banda pela primeira vez eu dizia que era uma música feita para se relaxar, e Northwestern Girls não foge desse plano. Deitar na cama, fechar os olhos, colocar um fone de ouvido, sentir a suavidade. Eric esbanja qualidade no seu violão, e logo você estará cantando o refrão fácil que iniciou esse post: "It must be in the air HEREEEE".
E para quem quiser saber sobre a letra, ela foi composta quando Eric se mudou para Seattle, ninho de bandas indies e alternativas, o que certamente o inspirou na mudança de sonoridade e na letra: Ela é repleta de adjetivos para falar sobre o lugar que ele acabou de chegar, mais precisamente sobre as garotas que tem um encanto especial lá, algo que possivelmente vem da atmosfera do local! Ele não deixa claro que o lugar é Seatlle, mas o nome da música não me deixa mentir: "Garotas do Noroeste", região onde fica a cidade.

Vale ressaltar que nos dois álbuns posteriores lançados, o Say Hi voltou a seu som de origem, com mais digitalismo, repetições, etc. Sem problemas, as músicas continuam boas, e The Wishes and the Glitches fica marcada na sua carreira com excelentes músicas como Northwestern Girls! :)

Radiohead - Faust Arp

2011-05-31T19:52:00.000-07:00

Muita gente que conhece pouco Radiohead acredita que todas suas músicas são repletas de complexidade e efeitos manipulados, o que torna quase impossível reproduzir uma canção deles, seja com uma banda ou sozinho. Hoje estou aqui para mudar a opinião dessas pessoas.

Em verdade, os dois primeiros álbuns da banda (Pablo Honey e The Bends) já são coletâneas de um Radiohead mais simplista. Guitarra, baixo, bateria, violão, a voz de Thom Yorke. Radiohead era uma boa banda de rock, mas não foram esses álbuns que fizeram seu nome. Claro, vale à pena ouvi-los, The Bends é um dos meus favoritos, e no blog temos um clássico do Pablito: Creep. Então você deve pensar "ok, mas sendo o início de carreira da banda, nada mais esperado do que fórmulas simples que a banda "abandonou" conforme foi adquirindo maturidade, sim?". Não exatamente. É óbvio que a partir do Ok Computer a banda foi se entregando aos elementos eletrônicos e foi adquirindo outras sonoridades mais difíceis, principalmente após o Kid A, chegando a um álbum praticamente de Dubstep, que foi esse último, o Kings of Limbs. No entanto, há canções simples e inspiradas nesses últimos álbuns também. No exemplo de hoje, a música FAUST ARP.

Faust Arp é do penúltimo álbum da banda, o já comentado aqui centenas de vezes, IN RAINBOWS. Lançado em 2008, aonde alguém pode pensar que a banda estava entregue à esses elementos eletrônicos e às canções irreproduzíveis. Mas então, dê play em Faust Arp. Um dedilhado de violão. Ou melhor, dois minutos de um belo dedilhado de violão. E Thom Yorke cantando por cima a aflição de estar preso a algo que ele não consegue mais aguentar. Quer mais simplicidade que isso? Não estou falando que é uma música fácil de tocar, veja bem, Elliott Smith praticamente só tinha músicas simples de violão e quem consegue tocar Elliott Smith é um gênio. Só estou dizendo que Faust Arp derruba muita gente que não imagina Radiohead fazendo uma música desse tipo, que provavelmente só tinha Fake Plastic Trees como exemplo.

A letra de Faust Arp fala sobre alguém que vive uma rotina ou um relacionamento que não está indo bem. Ele tenta prosseguir com essa vida ou pessoa, mas as coisas não estão dando certo, então procura uma saída para essa situação. Não é uma letra fácil, eu mesmo não compreendi se ele quer sair do trabalho, do país, da vida, ou de um casamento que seja. Se alguém quiser me ajudar, a letra está aqui.

E aí, gostou dessa face do Radiohead? Na minha opinião...... eu preciso mesmo falar a minha opinião?

Death Cab for Cutie - Marching Bands of Manhattan

2011-05-13T20:09:00.000-07:00

Há pouco tempo eu falei de Death Cab for Cutie aqui no blog, há pouco tempo mesmo. E vou falar hoje de novo. Porque eles merecem.

Percebi que eu tinha feito uma certa injustiça com o quarteto de Seattle que eu tanto gosto... Nunca falei sobre o album PLANS, um dos melhores da banda! Veja bem, foram três posts sobre meu álbum favorito, o Transatlanticism, e um sobre o último álbum, o Narrow Stairs (Posts que você pode ler clicando aqui). Hoje chegou a hora de Plans, o quinto álbum.

Plans é um daqueles álbuns redondinhos que você consegue ouvir do começo ao fim sem ver a hora passar. De onze músicas que compoem o cd, sou fã declarado de oito. O que mais acho bacana é que há uma vibração no álbum que nenhuma música interrompe, e isso não quer dizer que as canções são parecidas, mas sim que dentro das diferenças elas conseguem se amarrar para fazer com que a audição seja mais agradável ainda. Tenho vários cds em casa e posso dizer que isso é raro, alguns dos meus favoritos não conseguem isso.

Essa boa vibração começa logo nos primeiros segundos do álbum, com a música inicial, MARCHING BANDS OF MANHATTAN, e podemos conversar sobre ela. Essa é uma daquelas canções com clima esperançoso, que se inicia como o sol raiando, e vai ganhando força como se o dia fosse avançando para o horário de pico, aonde as guitarras, os teclados, as baterias se encontram em um trânsito de música, que eu garanto, é bem melhor do que um trânsito de carros. Reparem como a melodia começa humilde, com um tecladinho alegre enquanto o Ben Gibbard canta que se pudesse abraçaria toda Manhattan por uma garota. E reparem como ela termina sob uma distorção arrepiante da guitarra, enquanto agora é cantado: "seu amor vai se afogar". Eu gosto desse tipo de música, que evolui em três ou quatro minutos. Gosto mesmo.

A letra fala, metaforicamente, sobre aquele momento que o rapaz quer dizer para a moça que faria tudo por ela, que com ela tudo seria mais bonito, que faria até uma "banda marchante" cantar o nome dela. Mas enquanto ele vive nessa dúvida de "falar ou não", sente que o amor dele está se afogando. Essa dúvida é um momento cruel para qualquer um mesmo.
Marching Bands of Manhattan te deixa empolgado, relaxado e pronto para encarar o Plans inteiro, que como garanti, sabe levar essa marca até os seus últimos segundos. Não há chance de decepcionar. Death Cab nunca decepciona.

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ps: perdoem pela ausência! estou em ano de vestibular, então às vezes não dá para deixar um tempinho pro blog! obrigado pelas visitas :)

The National - Fake Empire

2011-04-30T19:27:00.001-07:00

Todo mundo tem sua banda favorita, mas também tem a sua "banda do momento". Sabe, aquela banda que no atual instante da sua vida é a predileta, aquela que você não consegue parar de ouvir, aquela que atualmente está no topo dos seus conceitos sobre música boa. A minha banda do momento é THE NATIONAL.

Desculpem queridões, mas hoje o post será bem pessoal. Isso porque no começo de abril eu fui ao show do The National, e muito do que tenho a passar pra vocês sobre a banda está sob influência disso! O show foi tão bom que - eu juro - saí de lá com a impressão de que eles formam a melhor banda do mundo! Claro que isso é bem relativo, mas dá para vocês terem uma ideia do quanto foi bom!
Alguns fatores contribuíram com isso... O fato de eu estar grudado na grade, de eu ter até encostado no cantor (o incrível Matt Berninger), da boa companhia e, claro, dos caras mandarem muito bem ao vivo. Mas o que importa mesmo é o quanto as músicas deles hipnotizam, o quanto elas são lindas e bem trabalhadas. Vou falar disso.

The National é uma banda americana muito querida por lá, e apesar do reconhecimento internacional ser fraco, não tem um lugar que os caras passam aonde eles não encantam. São famosos pelo vocalista barítono Matt Berninger, que tem aquela voz melancólica e grossa, estilo Nick Cave, sabe? A musicalidade da voz do cara é tão boa que praticamente todas as músicas do The National já valem a pena somente pelo vocal. Mas calma lá, não vamos tirar o mérito do resto da banda!

O The National tem um dos melhores bateristas da atualidade, a melodia do teclado é um dos maiores destaques, a guitarra é única, e alguns instrumentos de sopro (não sei dizer se é exatamente um saxofone) costumam dar originalidade às canções.
Eu poderia falar sobre uma música para cada um desses detalhes, mas hoje ficamos apenas com a beleza do teclado que inicia e carrega nas costas a lindíssima FAKE EMPIRE, além de vocês entenderem na prática o que significa essa musicalidade da voz de Matt Berninger, e se arrepiarem com a entrada dos instrumentos de sopro no fim da canção, dando ritmo e uma certa empolgação à melodia. Demais!

Sim, rasguei elogios à banda o post inteiro. Pois quando você quer falar sobre a sua "banda do momento", você quer mostrar que ela é perfeita, independente de suas qualidades e defeitos. Mas cá entre nós, The National é perfeito. Não é?

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ps: dedicado à boa companhia do show, o casal Anna e Edu (o cara que tirou a foto acima do Matt durante o show)

Nada Surf - Popular

2011-04-21T21:42:00.000-07:00

Qualquer garoto do mundo pode ser seu! É só você seguir o meu plano, O GUIA ADOLESCENTE DA POPULARIDADE!!!

Ok, não fui eu quem disse essa frase. Foi dita pelo NADA SURF, aos berros, em meados de 1996. Ela faz parte do PRIMEIRO single do PRIMEIRO álbum dessa banda sensacional. Prometo falar melhor desse trio de rock em um futuro não tão distante, mas hoje tenho muita coisa a falar sobre essa canção: POPULAR.

A ideia da música realmente foi descrever um guia da popularidade, mas não um guia sério, e sim sarcástico, cheio de raiva e ironias. O guia não é cantado, e sim falado, enquanto um dedilhado faz o fundo da música. Na primeira parte, o guia ensina como a garota deve acabar um namoro sem ser desonesta e não despedaçar o coração do cara, mesmo dizendo a ele que está querendo ficar com outro rapaz. Conclui-se aqui que o compositor da música deve ter levado um pé na bunda feio, sendo trocado por um desses populares da escola, na música chamado de Johnny. Na segunda parte ele ensina a garota a como chegar nesse Johnny. "Diga a ele que fez um bom jogo de futebol, diga a ele que gostou do artigo que ele publicou no jornal". Embora a primeira parte tenha sido dita com calma, na segunda é repleta de raiva. Mas a explosão vem na terceira parte, quando é dito que ela pode ficar com Johnny e com quantos mais garotos "populares" ela quiser, afinal, ela é uma jovem "original", não precisa se prender a uma pessoa só! Não é?

O fator que separa as três partes é o refrão destruidor (e grudento), aonde a guitarra entra comendo, e algumas frases são cantadas, como: "eu sou a estrela da festa, eu sou popular!", "eu tenho um carro, eu sou popular", "eu pego uma líder de torcida, eu sou popular". Na terceira parte, essa guitarra mais pesada entra antes do refrão, quando o que era falado passa a ser gritado, e temos a frase que iniciou esse post mandada pra fora com muito ódio, logo após a parte aonde é dito que ela pode pegar quem ela quiser.

Popular é uma música incrível, repleta de energia, e você consegue sentir na sua pele a revolta do cara, que levou um pé e viu sua garota ficar com os bonitões e pegadores da escola. Eu conseguia sentir essa revolta antes mesmo de conhecer a letra, então espero que você que acabou de conhecer a música pelo blog, e já sabe do que se trata, ouça e consiga sentir essa revolta também! A não ser que você se identifique como o popular, ou pior, como a garota da história... hahaha

Death Cab for Cutie - GrapeVine Fires

2011-04-11T19:06:00.000-07:00

Eu já falei de muitas músicas tristes aqui no blog. Mas de clipe triste, essa é a primeira vez!

A propósito, essa é a primeira vez que vou comentar um clipe aqui. Pra você que não quer assistir, pode apenas ouvir a música e acompanhar o post como sempre, mas tenho certeza que caso assista o clipe irá adorá-lo, e provavelmente irá se emocionar ou se comover com ele!

Irei falar sobre a música GRAPEVINE FIRES, da banda muito-bem-falada nesse blog, DEATH CAB FOR CUTIE. Grapevine Fires possui uma combinação linda entre o teclado e a bateria, e a triste guitarra trilha perfeitamente o clima melancólico do clipe - uma animação muito bem feita, recurso muito usado nessas peças. O personagem principal se depara com sua cidade (um campo com casinhas humildes) literalmente queimando. Incêndio. Fogo por toda a parte. Como a animação é bem sutil (mistura de recortes com desenho), a imagem não é agressiva, é melancólica mesmo. O garoto entra na sua casa e os pais, arrumando desesperadamente as coisas para fugir, pedem para o filho que encontrem seu irmão, que saiu com a namorada. O garoto e seu cachorro saem à procura, passando por famílias que tentavam sair da cidade - alguns se preocupando com objetos materiais, alguns com recordações e memórias que seriam perdidas. Com 1:12 de vídeo podemos ver inclusive o próprio Death Cab se preparando para fugir em uma van. \o/
Para não estragar a surpresa, assistam o vídeo e vejam o fim dessa saga. Todo o sentimentalismo da banda e da música conseguiram ser transmitidos com perfeição nessa animação, que pode ser vista superficialmente como uma família fugindo de uma cidade imersa no caos, mas profundamente o clipe de Grapevine Fires mostra como as pessoas podem lidar com as perdas - sejam elas materiais, de recordações ou de vidas.

E então, você que assistiu o clipe, emocionou-se também? Eu já assisti um milhão de vezes e sempre fico paralisado quando o clipe acaba! haha É como aqueles belos filmes que te deixam sem fôlego e com vontade de abraçar alguém, ou melhor, como aquelas belas canções que te transportam para outros universos e te inspiram a viver.

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ps: vocês acham que eu deveria analisar mais clipes? diz aí nos comentários ;)

Travis - Flowers in the Window

2011-03-31T19:45:00.000-07:00

É muito bom estar apaixonado! E uma das melhores coisas é poder ouvir músicas de casal apaixonado. Sabe, poder olhar para alguém que você ama e cantar "uow, look at you now, flowers in the window s2".

Eu tenho uma teoria que certas bandas nasceram para criar trilhas para casais apaixonados, e a minha favorita dessas é TRAVIS. Já falei deles anteriormente neste post. Com raras exceções, Travis está sempre abordando o amor, nas suas diversas formas, nos seus diversos ângulos. É claro que, como praticamente todo artista que deixa seu coração falar na música, inevitavelmente há certas fases e algumas canções de... anh... pé na bunda. Entende, quando o artista torna sua poesia um poço de lamentações para falar sobre como é rejeitado ou infeliz. Como adoro músicas deprês, não tenho nada contra essas canções, mas hoje vim falar da fase feliz do Travis, essa fase que já citei no começo do post, a das flores na janela!

Há algo que irrita muito as pessoas que são fãs de bandas mais elaboradas em suas canções, que criam obras com milhares de instrumentos ou técnicas revolucionárias e efeitos especiais: como que bandas do tipo Coldplay ou Travis podem chegar a fazer tanto sucesso com tanta simplicidade? Sim, assunto repetido, já discuti isso no post sobre Don't Panic, mas o ponto da vez é perceber que o autor e cantor da música Fran Healy quando escreveu a música não tinha a pretensão que muitos artistas tem nos dias de hoje, de inovar e fazer história, ele somente queria olhar para alguém e dizer "hoje o dia está fantástico, eu amo você, e estou contente que sinta o mesmo". A música é levada por uma batida alegre, daquelas que você imagina velhinhos andando na rua com um sorriso e pessoas se abraçando aleatoriamente, enquanto o namorado em uma escada segura a mão de sua amada e diz "olhar para você é como ver flores na janela"! Vai dizer que vocês não conseguem sentir isso também?

Este era para ser um post muito simples, mas escrevi bastante, quando a ideia era apenas dizer que quando se escreve com o coração pouco importa a complexidade da música, o importante é deixar seu recado, e isso o Travis faz muito bem, deixando milhares de casais com uma trilha sonora para seus dias de sol no parque, ou seja aonde estiverem! :)

Uma curiosidade bem legal para fechar: A música foi escrita com a ajuda de um tiozinho pouco importante para a história da música, Paul McCartney.
Não deu play ainda?

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ps: dedicado à minha namorada. I love you so, let's watch the flowers grow s2

The xx - Crystalised

2011-03-20T17:44:00.000-07:00

Certas músicas foram feitas para todos os ouvidos. Aquela música que é tão equilibrada e tão hipnotizante que é capaz de agradar qualquer um, com poucas exceções. Elas são raras, é verdade, mas existem meus caros amigos, e CRYSTALISED do The xx está aí para não me deixar mentir.

Mas antes, quem são The xx (pronuncia-se écs écs)? São um trio britânico que lançou seu primeiro álbum em 2009 (na época ainda um quarteto), o que os fazem a banda mais "nova" a ser comentada no blog. Com certeza uma grande honra para a banda, certo? Bem próximo à honra de ter sido a banda mais hypada e badalada de 2009, de seu album "xx" ter sido premiado como "melhor album" por diversas instituições (além de ter ganho o selo platina pelas vendas e ter entrado nas listas de melhores albuns do ano, da década, dos últimos tempos), e por fim, de terem tocado nos principais festivais de músicas nos últimos dois anos. Pouca coisa para se orgulhar, não é mesmo?

Não é para menos. The xx chegou quietinho e conquistou o mundo com suas composições lindas. E quando eu digo "quietinho", é bem quietinho mesmo. O jornalista Lúcio Ribeiro diz que The xx criou uma "revolução do silêncio", com músicas baseadas em pouquíssimo barulho, apenas uma melodia minimamente manipulada eletronicamente, que é como o som do baixo, feito para ser sentido. Some isso à famosa troca de voz entre um homem e uma mulher, que funcionou já em diversas bandas, e provavelmente sempre funcionará, desde que as vozes se encaixem e criem o contraste entre o grave e o agudo que muito agrada. E nas canções do The xx as vozes são valorizadas, ganham mais força, por mais que às vezes elas sejam simplesmente sussuradas.

É difícil dizer que alguma música do The xx é melhor do que a outra. O primeiro álbum é formado de poucas, porém, fantásticas canções. Apenas escolhi Crystalised para vocês por se encaixar no padrão descrito no início do post, ser a música que tem o poder de agradar a todo mundo. Sempre que alguém pede uma recomendação de música assim, na lata, logo indico essa, porque nunca vi alguém torcer o nariz após ouvi-la. E ainda corro o risco de encontrar a pessoa alguns dias depois cantarolando o refrão de Crystalised, que é nada menos do que a dupla repetindo sensualmente a frase "aaaaaaah".

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ps1: fico feliz que a maioria das pessoas já conhecia Roxette e, de alguma forma, relembraram do passado com meu último post.
ps2: no começo do post falei "todos os ouvidos". é o nome de um blog. um excelente blog. acessem: http://todososouvidos.blogspot.com/
ps3: recomendação nº 50 \o/ dedico à minha amiga Mirella :)

Roxette - A Thing About You

2011-03-10T19:23:00.000-08:00

Olá, eu vou no show do Roxette. E há 98% de chances de eles não tocarem essa música que trago para vocês no post de hoje. Pois já é tradição, as bandas que eu vejo ao vivo nunca tocam minha favorita. Nunca.

Roxette é uma dupla sueca (♥) das antigas, que estão em atividade até hoje. O primeiro album foi lançado em 1986, e nesse ano mesmo de 2011 a dupla lançou o oitavo disco. (Quase) todos seus albuns foram número 1 na Suécia (♥), exceto o debut e o último, que ficaram em segundo lugar nas paradas. Internacionalmente, começaram a ser reconhecido a partir do segundo album, mas principalmente a partir do filme Uma Linda Mulher (sabe, Julia Roberts, Richard Gere, o filme favorito da sua mãe). Isso porque nesse filme a música It Must Have Been Love toca ao fundo em um momento chave, numa cena bacaninha que fez com que todo mundo procurasse saber quem é Roxette. Inclusive, fez meu pai viciar nessa música até hoje, que comprou o cd e pasmem, irá no show comigo.
A cantora Marie Frediksson descobriu um cancer cerebral em 2002, e teve que largar a música para se tratar, voltando com tudo agora em 2011, como já foi dito, com um disco e uma turnê.

Certo, a banda foi apresentada a vocês, se quiserem saber mais, podem procurar por suas músicas, muitas são famosas, a maioria um rockzinho bacana, e algumas ótimas baladinhas ao som de teclado. Digo isso porque a música que trouxe a vocês não é muito comum ao Roxette. Primeiro porque ela é cantada pelo Per Gessle, e quase todas as músicas deles são cantadas pela Marie. Mas como os dois tem ótimas vozes, eles combinam e alternam os vocais com facilidade. Em A Thing About You, a canção é embalada por um violãozinho gostoso, meio deprê, enquanto com uma voz calma Per diz: "o rádio está ligado mas o som se foi", "a televisão está ligada mas as cores se foram", e assim por diante. Mais uma música do blog para se ouvir deitado na cama no friozinho com os olhos fechados.

Espero que gostem da banda e, quem quiser acompanhar eu e meus pais no show (sim, meu pai carregou minha mãe com ele), é só dar um toque, quem sabe nos deparamos com a sorte e eles tocam essa música linda ao vivo. Ainda há 2% de chance!

Radiohead - Reckoner

2011-02-28T10:24:00.000-08:00

Que o Radiohead lançou um album novo no último dia 18 de fevereiro, todo mundo já sabe, o já-querido The King of Limbs. Mas não é sobre o disco novo o assunto de hoje. Vamos retomar o já anfitrião do blog: IN RAINBOWS, o sétimo album dos cabeças-de-rádio.

Quando falei dessa obra, lá pelo fim de 2009 (com os posts sobre Nude e All I Need), comentei muito da minha percepção pessoal sobre o álbum, além da recepção do público. Melancólico como sempre, In Rainbows é carregado de emoções, desde o som do baixo repleto de beleza, aos falsetes de Thom Yorke, às metáforas e letras depressivas, enfim. Muita gente, por compará-lo com álbuns anteriores do Radiohead (como Ok Computer), o desprezava, mas como eu afirmei, é um álbum incrível que tem toda a vitalidade de uma banda no seu auge, e estamos falando do sétimo trabalho da banda, já bem veterana, portanto.
Hoje retomo a discussão sobre o In Rainbows trazendo como trilha a música bem ritmada, meio “deprê-alegre”, meio "não sei se danço ou choro", RECKONER. Certo dia em um fórum, um rapaz chamado Carlos Farias complementou muito bem minha ideia do álbum. Disse que teve a impressão de um Radiohead muito a vontade para criar o álbum, aonde as composições são muito orgânicas e tem suas influências bem deglutidas (citou soul, música africana), além de não ter partes específicas de rock ou de eletrônico, ou seja o que for, é simplesmente Radiohead.

Vejo que Reckoner ilustra perfeitamente isso. "Não sei se danço ou choro" pode ser vista como uma brincadeira minha, mas é uma sensação que a canção realmente causa. O baixo leva a música para um lado mais dançante enquanto o vocalista traz uma lamentação na voz, principalmente quando a marcante percussão dá uma pausa e Thom Yorke sussurra sua fala enquanto segundas vozes falam um quase imperceptível "In Rainbows" ao fundo, no clímax da música. A música não é rock, não é dubstep, não é jazz, não é rotulável. É Radiohead.

O desafio do dia é conseguir ouvir as segundas vozes fazendo um coro dizendo "In Rainbows" na parte que eu disse. Eu demorei um pouco pra ouvir. Uns dois anos, talvez.

Lifehouse - Sick Cycle Carousel

2011-02-20T16:49:00.000-08:00

Porque chega uma hora que você cansa de correr atrás de uma pessoa que você gosta, não é?

Uma vez mais, Lifehouse no blog. Se você gosta, excelente, espero que esteja gostando dos textos sobre a banda. Se você não gosta, já deve ter se enchido de tanto Lifehouse. E abandonado o blog, talvez.
Mas indo ao que importa, na primeira vez que falei de Lifehouse eu disse que eles faziam a trilha sonora da minha vida. Mais recentemente, isso parou, comecei a namorar há um ano e cinco meses (uma gatinha linda) e o Lifehouse continuou na fase "não me chute, eu amo você". Por isso esse post é um ode ao passado, e pode de repente ajudar pessoas como essa canção me ajudou em certa época da vida.
Porque a gente tem a necessidade de se agarrar a pensamentos alheios para ver se outras pessoas já viveram sua situação, e assim provar que alguém te compreende nesse mundinho. Há muita gente que busca frases famosas de escritores, outras que encontram apoio em filmes, e alguns como eu acham o que precisam na música. Eu estava em uma época que, como dito no início do post, não aguentava mais correr atrás de alguém que me ignorava, não me valorizava em nada. Então veio Lifehouse.

"Tentei seguir seus passos, tentei ir atrás de você, tentei ver quão perto do chão eu poderia me aproximar". Em verdade, todos que já se apaixonaram e não foram correspondidos sabem qual é essa sensação que o Lifehouse descreve. É um tanto triste, e depois de muito tempo quando isso já passou a gente chega até a se envergonhar por ter vivido essa situação. Mas não precisa ter vergonha. Essa experiência é um mal necessário, vamos assim dizer. Todos que superam isso se sentem mais fortes, mais maduros, mais experientes, dificilmente deixam de aprender com os erros, e cada vez mais ficam prontos para uma relação com o amor da vida, enfim.
O problema é saber sair dessa situação ruim, que o Lifehouse chama de SICK CYCLE CAROUSEL, algo como "Ciclo Vicioso Doentio", o título da música de hoje. A melodia é tipicamente da banda, dedilhado de violão, uma guitarra marcante (como falada nesse post), e a voz rouca de Jason Wade cantando com muita emoção. E essa canção me ajudou principalmente com uma frase do refrão: "E quando isso irá chegar ao fim? Continua girando, e sei que não vai parar até que eu desça daqui para meu próprio bem". Foi quando eu percebi que esse era o limite, e que já estava me fazendo mal há um bom tempo. Percebi que nunca seria feliz com a pessoa, mesmo que as coisas começassem a dar certo, afinal, tudo foi construído em cima de muitos erros. Para terminar o combo, juntei Sick Cycle Carousel com Not Meant to Be do TOAD e concluí: Isso nunca vai dar certo.

Claro que, falando de Lifehouse, sempre há a interpretação gospel. Dizem que o Ciclo Vicioso é o ciclo de pecados, do qual o vocalista não quer mais participar. Mas como sempre, vai de cada um, o importante é curtir o som! E se alguém se identificar, espero que isso tudo possa ter ajudado de alguma :)

Coldplay - Yellow

2011-02-10T17:56:00.001-08:00

Look how they shine for yoooooooou....

Da última vez que falei de Coldplay discuti sobre um certo dilema, ou as pessoas amam ou odeiam Coldplay. Até que fui bem surpreendido por um bom número de quem dizia ser indiferente, e entre amar e odiar, mais pessoas ficaram do lado positivo pra banda de Chris Martin. Apesar de ter sido o post mais comentado e um dos mais visualizados do blog (o "mais-mais" é First Time, do Lifehouse), hoje não vamos falar sobre esse assunto e vamos retomar o primeiro post, aonde eu falei sobre a origem do Coldplay, e a primeira música do primeiro álbum. Caso alguém tenha lido, deve lembrar que eu falei sobre como Coldplay produzia canções incrivelmente simples e ótimas. Tentando seguir uma cronologia para a banda, hoje vamos comentar sobre o primeiro hit deles, a querida YELLOW.
Segundo single da história do Coldplay (seguido de Shiver), Yellow tem força até hoje. Nos shows da banda, costuma ser um ponto alto, um pouco por causa das bolas infláveis que são liberadas no meio do público, mas muito porque é uma canção marcante. Seguindo a linha do post sobre o Don't Panic, Yellow também é extremamente simplista; a letra é a básica de amor: "as estrelas brilham para você", "eu escrevi essa canção para você", "você sabe que eu te amo muito", [...]. Para muitos é um ponto negativo, uma falta de originalidade, um motivo para crítica. Mas na minha concepção, às vezes quando abrimos nossos sentimentos para quem nós gostamos, podemos até enfeitar, falar palavras bonitas, criar metáforas, mas tudo o que queremos dizer é "por você eu daria minha vida", e esse é o ponto de Chris Martin, deixar de lado qualquer subliminaridade e dizer "eu gosto de você". Ponto.

Yellow tem uma base acústica de um violão que introduz a música e cresce em momentos chaves, enquanto uma guitarra surge para dar um fôlego na música que tem energia, vida própria e potencial trilha para um bobo-apaixonado. Por que se chama Yellow? As teorias são muitas, mas se vale o que o compositor falou, quando estava criando a música Chris encontrou uma lista telefônica no estúdio chamada "Yellow Pages" e resolveu roubar a palavra para a composição. Ainda disse que a canção poderia se chamar até mesmo "Playboy", caso fosse essa a revista que tivesse encontrado.
Eu pagaria pra ver.

Death Cab for Cutie - Title and Registration

2011-01-30T13:54:00.000-08:00

No último post eu disse que estava mudando minha concepção sobre meu álbum favorito dentre as bandas que ouço e admiro. Sempre afirmei que esse posto era do Athlete, com sua obra-pianinho TOURIST. Mas então surgiu "a outra". Com um nome difícil e estranho e uma coleção de melodias inegavelmente lindas. Um tal de TRANSATLANTICISM, do Death Cab for Cutie.

Em verdade esse álbum caiu em minhas mãos faz um tempinho (virtualmente falando), logo que conheci Death Cab, em 2007, quando um amigo lançou a piada "Não entendo essa história de indie que está surgindo! É só usar all-star e uma camiseta do Death Cab for Cutie, é isso?". Por algum motivo, me dispus a ouvir a falada banda, e logo comecei pelo Transatlanticism (um dia você se acostuma com esse nome e pasme, saberá pronunciá-lo sem nenhuma dificuldade). Por algum motivo, não foi paixão à primeira vista, e isso eu nunca vou entender o porquê; mas isso faz parte, de repente você conhece alguém na sua escola e só três anos depois repara que ela é o amor da sua vida.
Sei que um dia resolvi dar uma atenção a esse álbum, e aí foi fatal. Fui cada vez mais engolindo Death Cab, passando de um album a outro, pesquisando notícias da banda, assistindo clipes, comprando cd... UFA. Um legítimo viciado. A ponto de duvidar se meu album favorito é realmente Tourist, e não Transatlanticism.

Eu já trouxe partes do album timidamente pra vocês: A Lack of Color, com seu violãozinho calmo e sua letra deprê, e Lightness, com seu modo de ver o eterno dilema "razão x coração". E se essas duas músicas não foram motivos suficientes para te convencer que o album é brilhante, aqui vem mais um motivo: TITLE AND REGISTRATION. Um pouco no padrão de A Lack of Color, a música tem um dedilhadinho de violão perfeito, uma melodia relaxante ao extremo, e uma letra deprezinha pra satisfazer o dono do blog, é claro. Acompanhe: Ele começa falando que deveriam trocar o nome do porta-luvas do carro. Afinal, você abre um porta-luvas, e não encontra luvas. Isso pra dizer que ao abrir o compartimento, ele acabou por se deparar com fotos de uma garota com a qual ele se relacionou, e obviamente, tudo acabou. Ou seja, ao invés de luvas, tudo o que ele encontrou foram lembranças de tempos melhores, antes da menina ter dado um pé na bunda dele. BEN GIBBARD GÊNIO. Até pra falar a coisa mais simples do mundo, "vi fotos que eu queria esquecer", ele cria uma boa história para suas composições!

Enfim, para quem gostar, pode ouvir as músicas do Athlete que postei aqui, e as três do Death Cab já citadas hoje, e assim quem sabe pode me dar uma opinião de qual álbum é melhor, Tourist ou Translat... Transatl... Trans o que mesmo?

Athlete - Chances

2011-01-21T05:12:00.000-08:00

Lembram-se do primeiro post do meu blog, iniciado com uma banda chamada Athlete? Provavelmente não. Não tem importância, o que realmente interessa é saber duas coisas: que Athlete é uma banda com lindas canções e que você PRECISA conhecer, e que naquele post eu disse que o album TOURIST deles era o meu favorito dentre todas as bandas que eu ouço...
Talvez minha opinião esteja mudando quanto esta última informação, mas isso não muda o fato do álbum ser infinitamente perfeito.

CHANCES abre Tourist. Seu piano melancólico e calmo é o ponto de partida para o que viria a ser um album recheado de melodias emocionantes. É despretensioso, provavelmente o Athlete não tentou fazer algo para chegar ao top das paradas, nem uma obra prima inesquecível. Mas acabou acertando na mosca na receita, como uma sobremesa incapaz de atrair as pessoas por não ser conhecida, mas extremamente prazerosa para aqueles que a experimentam.
Pulando qualquer tosquice que eu possa dizer agora como "experimente essa sobremesa você também :D", vamos dar uma sobrevoada na música que inicia o álbum... O primeiro verso da música traz esse clima já citado de melancolia enquanto o vocalista do Athlete nos aconselha "Aproveite todas as chances que tiver, você nunca sabe quando elas serão desperdiçadas". E após se auto-comparar a um matemático que não consegue resolver uma soma, a música entra em uma explosão incrível, unindo ao piano a guitarra e a bateria, mas nada roqueiro, tudo isso de uma forma incrivelmente triste, enquanto o vocalista diz que "é tudo por causa de seus choros e beijos". Sempre me arrepio pensando em um show com fogos que entram em sincronia com a bateria logo na entrada desse refrão arrebentador. Um pouco doente de minha parte, mas enfim.
O piano triste volta, ele diz "Se eu tivesse a chance de começar novamente, eu iria te procurar", concretizando que a canção fala esclarecidamente sobre arrependimento. Bem, o nome dela é "escolhas", e não é difícil de ver que o eu-lírico fez uma escolha errada em sua relação, sim?
Mais uma explosão no refrão (e mais fogos na minha imaginação), e a música se emenda com um fim de arrepiar enquanto ele lamenta "Eu não calculei como começar novamente", e garanto que, como diversas músicas que já postei aqui (como Broken do Lifehouse), se você se identificar com a letra suponho que você irá morrer ouvindo Chances hahaha :(
Já falei demais (e fazia tempo que eu não analisava uma música do começo ao fim como hoje), então irei me despedir. No próximo post eu falo mais sobre essa história de que meu álbum favorito pode ser outro nos dias atuais... Enquanto isso, degustem esta sobremesa delicious que o Athlete nos proporciona!

Desculpem, não me contive.

Fuel - Hemorrhage (In My Hands)

2011-01-10T16:19:00.000-08:00

Alguns chamam de “filhos de Nirvana”, alguns rotulam de nu-metal, e por convenção, são marcados de Pós-Grunge. A verdade é que há inúmeras bandas que seguem o estilo da banda de Kurt Cobain até hoje, sem se importar com denominações ou quaisquer outras coisas. Como exemplo, cito a banda que o remanescente do próprio Nirvana criou, Foo Fighters. Ou então, o já citado no blog, Theory of a Deadman. Os leitores já devem conhecer algumas desse estilo, e hoje ajudo vocês a expandir sua coleção de bandas desse tipo com os americanos do FUEL.
Confesso que, há uns dois anos atrás, eu só conhecia os hits do Fuel, nunca me interessei muito pela banda. Mas nos últimos meses fui atrás de mais materiais e não me arrependi, para quem gosta de um rock sem muitos enfeites, vale a pena dar uma olhada (escutada?).
Hemorrhage foi o ponto de partida. A música que começa com um bonito dedilhado parecia ser batida, algo que eu não ouviria muitas vezes, mas quando a guitarra entrou detonando no primeiro refrão, e a frase “in my hands, in my hands again” ficou martelando minha cabeça, percebi que a canção era forte, das boas.
Mostrei para minha namorada numa certa tarde de novembro e ela não gostou. Tudo bem, talvez seja necessário ouvir a música algumas vezes para se familiarizar, mas tenho certeza que a qualidade da mesma é indiscutível, a guitarra e a bateria entram em uma sincronia perfeita, enquanto o vocalista canta com toda emoção os versos de uma conversa, provavelmente entre um casal que rompeu o relacionamento, dizendo: “não desapareça e deixe o amor sangrando em minhas mãos novamente”. Um pouco bizarro até, mas te garanto que os versos em inglês “leave love bleeding” parecem perfeitamente encaixados (tal como “love lies bleeding”), o que você já deve ter percebido se deu um play no vídeo.

Uma curiosidade: Em 2006, o vocalista Brett Scallions deixou a banda, enquanto simultaneamente um participante do American Idol cantava Hemorrhage no programa para se classificar para a próxima fase. Esse participante era Chris Daughtry, que terminou por ser o vencedor dessa edição do programa. Admirados, os integrantes restantes do Fuel o chamaram para ser o novo vocalista deles. Mas Chris recusou o convite, fundando sua própria banda - famosa hoje – a chamada “Daughtry”.
Toryn Green se tornou o novo vocalista, permanecendo por quatro anos no “cargo”. Em abril de 2010, o Fuel anunciou em seu site que Brett Scallions estava de volta, pronto para as gravações do quinto album.

Radiohead - No Surprises

2010-12-31T12:02:00.001-08:00

No alarms. No surprises. Please.

Já faz um ano mais ou menos que eu escrevi sobre Karma Police do Radiohead, e disparadamente foi o texto que mais rendeu visitas ao blog. Segundo o Google Analytics, foram aproximadamente 490 visitas vindas do google por palavras chaves como "interpretação Karma Police", "comentários acerca de Karma Police", "karma police crítica". Isso me deixa um pouco tenso para falar de novo sobre as composições de Thom Yorke e sua banda, criou-se uma responsabilidade, ainda mais se eu for falar de um outro clássico da banda, a linda NO SURPRISES.
O que dizer sobre uma música onde a primeira frase é "Um coração que se encheu como um aterro sanitário"? Impactante? Bem, como já dito no blog, o album OK COMPUTER surgiu no cenário da música para impactar mesmo, para destruir os poderosos, para chocar os submissos. Eu não sei qual é a relação das pessoas ao ouvir uma frase desse tipo, mas será que ninguém se mobiliza para rever aonde está levando a sua vida? Seu coração está se enchendo de amor (o necessário) ou de lixo - como um aterro sanitário?
"Um trabalho que te mata lentamente", "Um machucado que nunca cicatriza", "Um aperto de mão no monóxido de carbono". Essas frases são apenas exemplos do que corre dentro da canção, e todas elas tentam lutar contra uma só situação: o conformismo. E seguindo o conceito do album, um conformismo com as atitudes do governo, é claro. Nessa canção é até dito claramente "Derrube o governo, eles não falam pela gente!", algo até inesperado de uma banda repleta de simbolismos e metáforas. O que o governo pede está no refrão da canção, a famosa frase "Sem alarmes e sem surpresas, por favor", e obedientemente, a população dá a sua resposta: "Silêncio. Silêncio." A vida é um caos, existem pessoas pisando na gente, mas estamos conformados. Silêncio.

Essa análise pode até parecer agressiva, mas no fundo, é isso o que o Radiohead nos propoem. E mais do que isso, dentro da arte musical. Para demonstrar agressividade eles não precisam de guitarras destruidoras, de visuais revoltados, de uma música barulhenta. Se você ouvir No Surprises vai se deparar com uma melodia calma, com toques que se assemelham a uma canção de ninar, um embalo relaxante e um piano sedativo (quem disser que nunca ouviu o riff de piano dessa música deve estar enganado, aliás). E essa calmaria dentro da canção misturada a sua letra caótica inverte os sentidos, inverte os signos, inverte nossa cabeça. Afinal, No Surprises mostra que a calmaria não vem depois da tempestade, pois vivemos em um mundo onde tentamos ficar calmos durante a tempestade.

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*um feliz ano novo para todos! :)

Mew - Special

2010-12-22T09:46:00.000-08:00

You're special, you're like rocket through me.

MEW é uma daquelas bandas que tudo indica que você nunca irá conhecer. Banda indie, dinamarquesa, nome de um pokémon, nunca apareceu como trilha de algum filme, nunca fez uma tour mundial, talvez nunca tenha tocado em uma rádio norte-americana. Até mesmo o last.fm parece ignorar Mew, nunca os vi relacionados em nenhuma página (exceto em páginas de outras bandas dinarmaquesas, como Carpark North ou Kashmir, igualmente desconhecidas). Mas quando você está predestinado a algo, nada pode impedir esse encontro. Pode ser por um amigo 'meio-anormal' que te indique a banda ou você pode ler sobre ela em um blog de recomendação de músicas... No meu caso, foi pelo amigo. No caso de vocês, será por este blog!

Mew é daquelas bandas que adoram se basear no experimentalismo para fazer suas músicas. A maioria das bandas costumam ter uma ou duas canções experimentais, como Sway do Lostprophets, mas no caso de Mew, quase todas são dessa forma, e eles devem ter uma ou duas que são "normais". Em verdade, a voz de Jonas Bjerre já é algo experimental por si só! Dê o play no vídeo, ouça SPECIAL, e entenda o que estou dizendo!
Uma das coisas que mais gosto no Mew é a forma de como eles conseguem ser melódicos e agressivos ao mesmo tempo. Em Special isso é claro, a música começa em uma explosão com a bateria, com uma batida arregaçadora. No entanto, a guitarra da música dá um ritmo dançante e melódico para a canção, e quando o vocalista entra com sua "voz special" cantando a frase que inicia esse post, você confirma que Mew é algo beeem diferente do usual. Ousados e originais!
Com um ritmo ditado pela bateria, Special fala sobre uma garota que faz mal a um rapaz que gosta dela, mas ele não consegue deixá-la, como se ela fosse uma droga. Jonas disse em entrevista que fala sobre sexo, e se fosse qualquer outra pessoa falando, eu diria que essa pessoa teria uma mente suja ao pensar nisso. Só por causa das frases "Eu te colocarei para cima e para baixo" ou "Você é como um foguete pra mim"? Maaas, como quem disse isso foi o compositor da música, talvez eu deva acreditar nele, muita gente trata sexo como uma droga mesmo...

Special está no quarto album do grupo, "And the Glass Handed Kites", album classificado como Rock Progressivo, o que para mim não significa nada, mas para muita gente significa muito. Para mim o que importa é passar a mensagem de que o Mew produz um som bem diferente do que estamos acostumados a ouvir, e que dificilmente deixam de cativar alguém com suas músicas!

Lifehouse - Broken

2010-12-11T09:44:00.000-08:00

Veja só se não é a quarta vez que falo de Lifehouse?! Eu realmente devo gostar dessa banda.

Sendo trilha de Grey's Anatomy, One Tree Hill, Criminal Minds e mais uma pancada de seriados, além de longas metragens no geral, a canção BROKEN do Lifehouse é bem famosinha e cativante. Ela se encontra no penúltimo album da banda (WHO WE ARE), figurando junto com First Time, já comentada aqui no blog. Ao ouvi-lá, a primeira sensação é de um deja-vu, como se essa música tivesse embalado alguma época da sua infância e você a reencontrasse naquele exato momento. Depois, basta prestar um pouco de atenção nela, e novas sensações começam a se despertar. Um leve sentimento que você irá se desmanchar ao som da música. Não deve ser átoa que o nome dela é "quebrado".

ATENÇÃO: ESSA CANÇÃO É EXTREMAMENTE PREJUDICIAL PARA PESSOAS COM O CORAÇÃO PARTIDO.
E falo isso por experiência própria. Hoje, ouvir músicas de pé-na-bunda não me entristecem muito. Mas quando você está vivenciando aquela situação, quando você sabe exatamente o que o cantor está querendo dizer, ahhhhh... aí ela te pega de jeito! É impossível não se abalar e não dar um replay na canção algumas vezes.
O pianinho da música nem traz tanta depressão assim, as batidas do começo da música trazem até um clima esperançoso. Mas a medida que a melodia vai evoluindo, vai se desdobrando, você vai sendo sugado por ela, acaba grudado no ritmo hipnotizante dela, e quando percebe, já foi dominado. Lifehouse é bom nisso!
A guitarra (comentada nesse post aqui) dessa vez é mais omissa, deixa o espaço para que os outros instrumentos pintem a canção. Ousaria a dizer que tem um violino nela, inclusive, mas não tenho certeza absoluta, então sem afirmações. E a letra destroçadora diz sobre um rapaz que se sente quebrado, que só consegue dormir porque seu relógio não funciona mais, alguém que mal consegue respirar, que procura a cura na sua própria dor, com um coração quebrado que continua batendo, que se sente perdido, sozinhol, largado, e....... UOW! Quem não se abala com uma história dessas?

Há ainda algumas outras hipóteses e interpretações. Há quem diga que a banda está falando sobre um transplante de rins (!!!), além da temática religiosa, já que supostamente Lifehouse seria uma banda cristã. Isso porque no refrão é dito "No seu nome eu encontro significado" e em outra parte "Me seguro nas suas palavras", onde se encaixaria o nome de Jesus e a Bíblia, respectivamente. Bem, como sempre, eu vou na probabilidade do coração partido por uma garota. Mas nada contra as outras interpretações, músicas boas no geral tem que ter diversas delas mesmo!
Por hoje é isso! Se gostaram da música, deem uma olhada nos outros três posts (Hanging by a Moment, First Time e Blind) que, com certeza, não irão se decepcionar com as músicas lindas de Lifehouse!
Beijos.

Incubus - Drive

2010-11-30T17:23:00.000-08:00

Aaaaah, Incubus.
Aaaaah, as letras de Incubus.

Certa vez eu disse que a melhor característica da banda americana de rock alternativo Incubus eram as reflexões impostas em cada uma de suas composições. Incubus é uma banda de diversas facetas (considerando suas variações na produção musical) e de vários atrativos que podem criar um vínculo com os admiradores da boa música. Tem quem goste das músicas pesadas e barulhentas que honram o nome da banda, tem quem goste das baladinhas extremamente bem feitas, tem quem goste dos arranjos e riffs da guitarra, tem quem goste da voz de Brandon Boyd (todos os fãs da banda), enfim... eu gosto de tudo um pouco, mas o que de fato me admira neles continua sendo suas letras...

Lembram-se das duas vezes que falei de Incubus aqui? Discutimos sobre como o amor dói e sobre egos inflados. Ambos foram do último album, que não é preferência dos fãs (embora seja minha preferência). Hoje, portanto, falarei de uma canção que está em num álbum mais antigo, MAKE YOUSELF, o terceiro da banda, e aquele que levou-os ao reconhecimento internacional, com músicas nas rádios, clipes na televisão, etc e tal. Aliás, eu poderia dizer mais: houve uma música dentro do album que foi o empurrão do Incubus para a fama, e não por acaso, é a canção título de hoje: a acústica DRIVE!
Incubus nunca tinha sido muito "violãozinho e tranquilidade", os dois albuns anteriores eram repletos de barulho e rock n' roll, e Drive pode até ser uma representação dessa mudança de ares nas terras Incubísticas (?), mas independente disso (como já foi falado, Incubus ainda mantém uma variação boa), a música é excelente, pode ser ouvida durante uma viagem, um dia chuvoso, uma caminhada no parque, enfim... Costumo gostar bastante dessas canções que se adaptam às diversas situações, e raramente desagradam alguém.

Falei tanto das letras de Incubus e vocês acham que eu não iria falar sobre o que diz a letra de Drive? Bem, Make Yourself no geral traz uma característica em comum em suas composições, elas exaltam a independência, é um album que inspira liberdade, dos mais diversos modos. Em Drive, Brandon nos impulsiona a deixar nossos medos de lado, diz que nossas preocupações às vezes controlam (dirigem) nossas vidas, e que nós temos que assumir o controle dela! "Segure o voltante e dirija", é uma das frases que marcam a canção, e não é átoa que o album se chama "Faça você mesmo"!
Há uma polêmica religiosa envolvendo essa música devido à frase "você escolheria água ao invés de vinho?". Alguns dizem que é uma frase para simbolizar o anti-cristianismo, o que pessoalmente eu acho bobagem. O album inteiro fala sobre escolhas, a própria canção quer passar a mensagem que você mesmo tem que ter o controle do que escolherá para sua vida, então por que iriam envolver religião na história? Bem, fica a critério de cada um a interpretação.
Por fim, espero que gostem de Drive e fiquem com os "Doo Doo Doo Doo Doo.." que tem no final da música na cabeça. É quase um "Naa Naa Naa Naa" do Hey Jude. Ou não.

--
Um agradecimento a Viviane, uma leitora que eu não conhecia e que disse acompanhar o blog há um bom tempo. Ela pediu Incubus, então aqui está :)
Quem quiser pedir música, sintam-se a vontade nos comentários!

Thirteen Senses - The Salt Wound Routine

2010-11-20T10:43:00.000-08:00

Esses dias eu estava pensando em fazer novamente um texto mais reflexivo para o blog, como nesse post de Love Hurts, do Incubus. Queria falar sobre a rotina, todos gostam de falar sobre rotina. E também estava pensando em falar novamente sobre a queridíssima banda THIRTEEN SENSES. Tem uma música deles chamada The Salt Wound Routine (O Sal na Ferida da Rotina). Juntei minhas duas vontades, portanto.

Hoje em dia, ou talvez desde sempre, o que mais gostam de fazer é reclamar. Reclamam dos jovens, dos adultos, da política, da televisão, do trabalho, de sair de casa, de ficar em casa, enfim. Um dos principais alvos dessa reclamação é a tal rotina. Ao que parece, ninguém gosta de repetir as ações do dia anterior, it's all the same, tudo vira um tédio, sair de casa no mesmo horário de sempre é um massacre, seu calendário para a semana que vem é o mesmo da semana passada, e isso não é bem visto por ninguém. Muita gente inveja cantores, atores, celebridades no geral pela sua fama. Mas muita gente inveja esses artistas pela falta de rotina na vida deles. A rotina é um bicho de sete cabeças mesmo?
Seguindo um pouco a proposta do blog "Miniature Disasters", vamos procurar ver o lado bom das coisas. Uma rotina pode significar estabilidade. Até que ponto vale a pena viver em um emprego móvel, depender de diversos fatores para ganhar seu dinheiro, não saber o que acontecerá no dia de amanhã, só para se livrar de tarefas rotineiras? Outra coisa bacana é pensar que algumas rotinas da vida nos deixam com saudades. Quem já não ouviu o pai nostálgico dizer "todo dia as quatro e meia eu descia e comprava uma coca gelada no barzinho do seu Zé", hein? Ou até mesmo você sente isso, por exemplo, quando mudou de horário no colégio, ou quando parou de fazer colegial e começou a trabalhar...

Thirteen Senses - em mais uma música deprê de encher os olhos de lágrima - debate um pouco disso, embora eles "pensam" no fato de não haver necessidade de rotinas, mas sim de recomeços. Uma casa nova, um emprego novo, enfim. Permitir que o vento te leve para onde ele soprar. Acho bonito o raciocínio, tal como o teclado da música, e a voz que transborda emoção de Will South, que eu já falei no post sobre Gone. Na minha opinião, ele não deixa de estar certo, mas quando eu penso no meu futuro talvez o que eu mais queira é uma casa aconchegante para morar, onde eu possa chegar todo dia no mesmo horário nela e ser recebido por minha mulher e meus filhos que, com um sorriso no rosto, disparam a falar sobre o dia na escola, enquanto minha mulher faz surpresa do que ela preparou para a janta.
Talvez eu deseje uma rotina.
O que você deseja?

--
post atípico no blog, eu sei. mas espero que gostem da ideia e, claro, que se amarrem cada vez mais por Thirteen Senses.

Arctic Monkeys - Fluorescent Adolescent

2010-11-10T18:59:00.000-08:00

Nem me lembro quando, mas faz um tempo, eu olhei para um amigo meu e disparei:
- E o Arctic Monkeys, hein? Disseram que seria a melhor banda da década, e...
Antes que eu completasse a frase, ele decretou:
- E foi a melhor.

Tenho certeza que boa parte das pessoas que visitam meu blog curtem Arctic Monkeys. E não sou vidente, nem nada do tipo. É uma questão de público alvo mesmo... Escrevo bastante sobre indie rock, já falei sobre inúmeras bandas britânicas, gosto de recomendar algo que está entre a jovialidade do rock n' roll e o espírito de descontração das músicas alternativas. E o Arctic Monkeys é um signo disso tudo, quase um estereótipo, respiram o ar indie rock que preenche meu blog. Sabem o sentimento que tenho com The Kooks de que eles traduzem esse estilo (dito nesse post aqui)? Pois então, a maioria das pessoas tem esse mesmo sentimento, só que com Arctic Monkeys.

Eu enxergo essa banda como uma personificação musical de um adolescente que gosta de rock, que é imaturo, é descontraído, é barulhento e revoltado. Ou pelo menos enxergava, já que no último album - Humbug - aparentemente eles resolveram crescer e mudaram de sonoridade. Mas esse álbum fica para outro post, porque hoje vim falar da primeira fase de Arctic Monkeys, que podemos encontrar nos dois primeiros cds, principalmente em FAVOURITE WORST NIGHTMARE, o segundo album. É de lá que retirei a música título de hoje, FLUORESCENT ADOLESCENT, que você com certeza já ouviu em algum lugar. Diferente do que disse no último post, o vocalista Alex Turner não tem uma voz única, tanto que em sue projeto paralelo (The Last Shadow Puppets) ele praticamente faz músicas com um clone (quem quiser procura por Miles Kane e verá como as vozes se assemelham). No entanto, a voz de Alex é um destaque, pois tem toda a pegada do Britpop que é um dos movimentos mais encantadores da história da música.
Em Fluorescent Adolescent, a barulheira do AM é mais organizada, mas podemos entender bem esse espírito de descontração, essa alma de indie rock, a voz do britpop, e todos eteceteras que já citei. O riff é pegajoso, o baixo é de arrepiar, o ritmo é dançante, a energia da música é vibrante. Se foi a melhor banda da década? Prefiro me ausentar dessas discussões, mas garanto que junto com The Strokes, Arcade Fire, Death Cab for Cutie, Spoon, The National, dentre outras bandas que já escrevi sobre (ou não) no meu blog, elevaram a força e a moral do indie rock nos anos 00'.

Muse - Sing for Absolution

2010-10-31T18:17:00.000-07:00

Quem acompanha meu blog sabe que uma de minhas três bandas favoritas (além de Radiohead e Theory of a Deadman) é um trio britânico de rock chamado MUSE. Já escrevi mais de 30 textos para o Song Sweet Song e pela primeira vez vou falar sobre uma música deles. A questão é: por que não falei antes se é uma das bandas que mais gosto?! Simples! Nunca achei que algum texto meu sobre o Muse fizesse jus ao espetáculo musical que eles produzem para a gente!
A nova questão é: O texto de hoje vai fazer jus ao nível sonoro de Muse? Eu digo que não. Se eu esperar isso acontecer, provavelmente jamais falarei deles...

Vou ser bem direto para descrevê-los. Quem acha que o rock está morto é porque nunca ouviu Muse. Quem acha que apresentações ao vivo não superam gravações de estúdio, nunca viu o Muse no palco nem ao menos pelo youtube. Quem acha que é impossível criar músicas roqueiras e eletrônicas a partir da influência de música clássica é porque não faz ideia do que Matt Bellamy, o vocalista dessa banda sensacional, pode fazer.
Há diversos modos de se encantar com Muse. Em verdade, eles produzem um som bem variado e bem único, sempre com muita qualidade. As músicas são densas e intensas, muitas vezes criticam a política (o que não é de meu interesse pessoal, mas há quem goste do tema) e muitas vezes falam do fim do mundo, já que Matt Bellamy parece ter um particular tesão sobre esse assunto. Tornaram-se popular nos EUA e até mesmo no Brasil após aparecerem na trilha do filme Crepúsculo, o que até hoje causa um distúrbio nos fãs meia tigela de Muse com a famosa síndrome de underground.

Introduzido ao trio, ouçam agora uma obra de arte do terceiro album deles, a épica SING FOR ABSOLUTION. Resolvi recomendar essa a vocês por diversos motivos, o principal deles pelo fato de que essa foi a primeira canção que ouvi do Muse (e se me encantei por eles desde esse momento, pode acontecer com vocês também). Reparem em alguns elementos essenciais de Muse nessa canção. Primeiro, o piano ultra-marcante. Matt é um dos melhores pianistas da atualidade, e com essa influência clássica que já citei, não poderia resultar em algo melhor. Segundo, a voz ÚNICA de Matt. Há cantores com excelentes vozes pelo mundo da música, mas com excelentes vozes inimitáveis, esses são raridades. Terceiro, a introsação que os instrumentos encontram na melodia. O power trio baixo-guitarra-bateria vivem um casamento em perfeita harmonia com o Muse. Por fim, a guitarra épica. Eu nem sabia o significado disso antes de ouvir Sing For Absolution; se você não sabe, vai por mim, ouvir Muse é o melhor meio de entender esse conceito quase espiritual dentro da música hahaha

Sei que acabou saindo um post um tanto sério, mas espero que tenha sido bom o suficiente para agradar a quem já conhece Muse e despertar a curiosidade naqueles que ainda não conhecem!
No mais, polêmicas como "Muse é o novo u2?", "Muse tá virando popular e comercial?", "Matt Bellamy é o melhor guitarrista da atualidade?", podem ser discutidas nos comentários, o que com certeza me ajudará a fazer um próximo post sobre eles!
Abraços a todos meus leitores queridos ;)

Spoon - You Got Yr. Cherry Bomb

2010-10-23T07:37:00.000-07:00

Felicidade! Chuva de papel picado! Pessoas dançando com roupas coloridas!
O clima hoje é de alegria no Song Sweet Song!

Então você me pergunta: Hoje é aniversário do blog?! E eu respondo: não!
A verdade é que é impossível ouvir YOU GOT YR. CHERRY BOMB, do aclamado SPOON, sem deixar de se contagiar com sentimentos de alegria e empolgação!
E como meu blog tem uma fama de, a cada 10 músicas, recomendar 9 canções deprês e 1 canção fossa, acho justo essa comemoração quando aparece algo tão feliz! Aproveita que é raro!
(perceberam quantas exclamações já coloquei nesse post? quem acertar o número de "!" espalhadas nesse texto ganha um pirulito! rs)

Spoon é uma banda formada no Texas que é famosa por ser queridinha dos indies. Não é para menos, esses caras sabem como fazer música boa!
Todo esse carnaval do começo do post tenta descrever a sensação que sinto ao ouvir You Got Yr. Cherry Bomb. Nesse momento espero que você já tenha dado um play na canção, podendo dessa forma me ajudar a descrever a empolgação que a banda consegue passar por ela. Ainda me lembro que eu estava indo para o show do Coldplay com essa música na cabeça... fui esmagado no busão que peguei lotado para o morumbi, o ônibus andava um metro a cada cinco minutos com o trânsito, e o motorista anunciou que teria que deixar todo mundo longe do estádio porque seria impossível se aproximar do local. Todos começaram a reclamar e se estressar com a situação, TODOS, menos... eu! E sabe o por quê? Porque eu estava com o refrão de Spoon na cabeça: "Blow out that cherry bomb...for me!". E desde então apelidei-a de "música do bom humor".
E foi quando me veio o pensamento de como música pode mexer com nossa maneira de lidar com as situações. Às vezes ficamos meio para baixo em um dia muito bonito porque estamos imersos na melancolia de uma melodia triste, mas às vezes lidamos com bom humor em situações adversas só por causa da feliz canção que preenche nossa cabeça...

A ironia do post? Em entrevista, o vocalista do Spoon disse a seguinte frase quanto essa música: "Actually, it's a really sad song". Ou em português claro: "Em verdade, essa é uma canção muito triste". WTF?
Segundo ele, a frase do refrão "assoprar a bomba de cereja" representa algo como "apagar a chama do amor", referindo-se ao momento da separação de um casal.
Well... cada um com sua forma de representar a tristeza, não é mesmo?

The Shins - Caring is Creepy

2010-10-11T13:55:00.000-07:00

Há muito tempo tenho vontade de escrever sobre essa canção, mas por algum motivo nunca soube o que falar dela. Talvez porque todas boas energias que ela me passa sejam muito particulares, me remetem a momentos que vivi... Nesses casos, costumo falar mais sobre a banda, mas nem sobre o próprio The Shins eu tenho muito a falar. Uma boa banda, faz um folk-rock de muita qualidade, ficou famosa quando New Slang apareceu como trilha do filme Garden State, agrada 90% dos indies que a conhecem, e é só isso.
Fim do post?

Claro que não. Nessas horas eu recorro a uma alternativa bacana, vamos debater sobre a letra da música!
Não com muita sorte, se você analisar a letra de Caring Is Creepy vai encontrar um quebra cabeça de informações e muitas metáforas. Sim, metáforas dominam as poesias, dominam as músicas, dominam o vestibular, dominam sua prova de literatura, e depois do Google, dominam o mundo. Mas entrei em fóruns e consegui tirar algumas conclusões bacanas sobre essa brincadeira do The Shins.
Primeiro que, ao contrário do que o título da música sugere (algo como "Cuidar é assustador"), eles não estão falando sobre como o ato de tomar conta de alguém os deixam apavorados. Em verdade, falam de muita coisa. Por exemplo, falam dos momentos nos quais temos que fingir que está tudo bem enquanto estamos destruídos por dentro, dos momentos nos quais temos que omitir um "eu-revoltado" dentro da gente, dando vida a um "eu-passivo" obrigado a engolir as mais difíceis situações. A canção começa dizendo algo como "Acho que vou pra casa meditar sobre isso antes que desça pela minha garganta". O típico 'vou contar até dez' antes de fazer alguma bobagem impensada. A propósito, esse auto-controle figura a música toda. Um outro fato importante pincelado na canção são aqueles momentos em que estamos praticamente possuídos e quase deixamos de lado nossos princípios:"Nunca traia a maneira que você sempre agiu", diz a letra.
E para não dizer que o título não tem nada a ver com a canção, a verdade é que o enredo parece ter sido montado a partir de um momento que o compositor concluiu que as pessoas tem medo de mostrar seus sentimentos, medo de ficarem vulneráveis com isso, o que são duas verdades: sim, você tem medo de se apaixonar, e SIM, você fica vulnerável quando está nessa situação. Mas quem disse que isso é ruim? Sou a favor da gente se entregar a paixão e vivê-las intensamente, caindo de vez em quando, mas sempre aprendendo com os erros, e...

Confesso que acho essa canção diferente do que o The Shins costuma produzir, tanto que foi a primeira deles que ouvi e até hoje não encontrei nenhuma outra deles que eu goste tanto quanto esta... Mas isso não significa nada, espero que ouçam e curtam The Shins! :)

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ps: texto enorme, eu sei, acreditam se eu falar que já resumi uma parte dele? :(

Pinback - Penelope

2010-09-30T07:24:00.000-07:00

Hoje eu estava pensando como Pinback consegue ser diferente de tudo o que já ouvi sem precisar de ousadia e experimentalismo. Não é como Sigur Rós, que é diferente de tudo por estar enquadrado em um universo de canções que quebram paradigmas e causam estranheza com suas belas composições. Pinback é meio folk, baseia suas músicas em cima de violões, alterna a voz grave e aguda dos vocalistas (como já dito aqui), e com tamanha simplicidade, criam um som único. Como eles conseguem isso? Refletindo nessa pergunta, resolvi escrever sobre essa dupla californiana de novo, repetindo a dobradinha Lifehouse-Pinback de poucos posts atrás...

PENELOPE, a música título de hoje, está inclusa no amazing BLUE SCREEN LIFE, mesmo álbum que contém Boo. A letra fala sobre a incrível história de um.... PEIXE DOURADO LOL. Sim, é uma letra falando sobre um peixe dourado inquieto que não deseja mais viver em seu mundinho, provavelmente um aquário... Algumas pessoas enxergam uma metáfora de algo "maior", como um ser humano cansado de viver em seu planeta, mas enfim, como eu sempre digo a interpretação vai de cada um. Eu simplesmente acho divertida a ideia de uma banda resolver fazer uma música sobre um peixe de estimação chamado Penelope. Não tem como ser mais espontâneo.
E assim já começamos a responder a questão principal do post. A espontaneidade de Pinback já os diferencia de muitas bandas que encontramos por aí no mundo atual.
Quanto à melodia, um dedilhado lindíssimo de violão introduz e carrega a canção nos ombros, enquanto ela cresce por meio da bateria, e claro, por meio do baixo delicioso, denotando uma outra característica 100% pinback: utilização e valorização do baixo na canção. Vamos convir que o baixo é um instrumento subestimado, tem gente que acha inclusive que o baixo não faz diferença em uma banda. ORA BOLAS. Ouça Pinback e veja o que uma boa exploração desse instrumento pode trazer como resultado :)
A alternância de vozes é linda, não é mesmo?

Confesso que mesmo refletindo sobre tudo isso ainda continuo achando misterioso o dom de Pinback de ser tão simples e tão diferente. Mas vale a conclusão que unindo espontaneidade, duas ótimas vozes, composições simplistas, um violão bem dedilhado e um baixo bem trabalhado, teremos excelentes produções musicais que valem estar em nossas playlists. A propósito, quando eu tiver um peixe dourado ele se chamará Penelope. E tenho dito.

Lifehouse - Blind

2010-09-20T10:18:00.000-07:00

Olá queridões.
Com esse post, Lifehouse acaba de entrar pro almejado ranking de bandas que já foram comentadas no meu blog três vezes ou mais!! (ohhhhh) que honra para eles, não?
Bem, já falei que eles servem como meu "life's soundtrack", já despejei elogios nos acústicos deles, e dessa vez eu vim falar sobre como funciona a guitarra de Lifehouse.
Muita gente tem uma visão de que a guitarra tem exclusiva função de criar solos alucinantes ou tornar uma música mais pesada. Ou melhor, que a guitarra é o elemento da banda que torna suas músicas agitadas, na pegada do rock n' roll \m/ Sinto informar que isso não é verdade... a guitarra pode servir como base, pode ser a introdução de uma canção, pode apenas acompanhar o vocal, pode criar riffs que grudam na cabeça, e não necessariamente tornar a música pesada ou agitada. Lifehouse é a prova disso. Se você der um play e ouvir BLIND, vai entender do que eu estou falando!
Você classificaria Blind como uma música pesada? Aposto que não. Pode não ser uma baladinha romântica dos anos 80, ou alguma musiqueta deprê que eu já tenha jogado no blog para vocês, mas também não tem nada alucinante na canção que a torne densa... E se vocês perceberam, tem MUITA guitarra na música. O tempo todo. Começa logo na introdução para nos colocar no pique da canção, em seguida nos serve de base durante os versos antes do refrão, entra com força na ponte e, claro, cresce na chegada do refrão trazendo vida pra melodia e nos encantando como o Lifehouse sabe muito bem fazer. Pra quem é viciado em solos, ainda tem um solinho distorcido muito gostoso de curtir...
A guitarra só descansa por alguns segundos, enquanto Jason Wade canta um dos refrões apenas na base do violão, uma característica herdada do movimento britpop que sempre traz um gostinho a mais na canção... Teta!

Como sempre gostam que eu fale sobre a história, dessa vez Jason conta sobre alguém que ele amou cegamente, mas que por algum motivo partiu e quebrou o coração do coitado. Há uma discussão que questiona se a pessoa que ele amou é uma garota ou seu pai, ou também se a pessoa o abandonou ou se teve que se mudar de país, por exemplo... mas para mim, isso tudo vira personagem secundário perto da belíssima melodia da canção, e claro, perto da guitarra de Blind, o protagonista dessa peça disparadamente.

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ps: ontem eu e minha namorada linda completamos um ano de namoro! felicidades a nós! :)

OneRepublic - All Fall Down

2010-09-12T08:45:00.000-07:00

We all fall down.
Sim, fazia um tempo que eu não trazia para vocês uma musiquinha deprê para se ouvir em um dia chuvoso. Estavam com saudades, não é mesmo? Sei... hahaha

OneRepublic é uma banda que está entre o indie e o pop. Algo como The Fray, entendem? Tem uma sonoridade que agrada a quem gosta desse mundo alternativo das músicas e por algum motivo já foi parar na lista de bandas populares americanas, e esse motivo no caso do OneRepublic foi uma parceria com o Timbaland (!!) em um remix de uma de suas canções que pouco nos importa hoje. Afinal, eu vim falar de ALL FALL DOWN, a minha preferida deles.
Como eu disse, em cinco segundos você já percebe a fossa que a música te joga. Com uma batida deliciosa de violão somada a uma entrada triunfal de violino, você sabe que os próximos quatro minutos irão te deprimir, mas você não se importa, pois a canção é linda. Quer ver como isso é verdade? Dá um play no vídeo! (como sempre digo, quem não gosta de musiquetas deprês pode não curtir, mas quem gosta do meu blog provavelmente gosta de musiquetas deprês, sim?)
All Fall Down é uma tentativa do OneRepublic de dizer para o mundo que todos nós somos humanos. Em sua letra, descreve algumas situações e sempre termina no refrão com "Saiba que todos nós caímos"... Afinal, é a pura verdade. Você já invejou alguém por ela ser extremamente feliz e você estar sempre no seu mundinho triste do seu quarto? Saiba que ela também já caiu, pois isso é humano, o importante é se reerguer e aproveitar as situações boas para ser feliz! :)
Por fim, a canção também passa uma mensagem de ajuda, pois provavelmente foi escrita para alguém que estava em depressão. O autor diz algo como "quando o seu mundo desabar você irá me encontrar". Pois todos nós precisamos de alguém para nos erguer e precisamos também, em contrapartida, ajudar as pessoas que estão nessas situações, não é mesmo?
Ah sim, minha parte favorita está no refrão, quando se canta "Lost 'till you're found, Swim 'till you drown, Love 'till you hate, Strong 'till you break"... é impressionante como o refrão dessa canção é forte, se você se envolve mesmo na melodia, é impossível não querer gritá-lo junto com OneRepublic.
É nesse clima de melancolia com uma mensagem positiva de companheirismo que eu mando um abraço a todos que lêem o meu blog e um muito obrigado por estarem aqui! :)
Até mais!

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clique e entre na comunidade do OneRepublic no orkut

Pinback - Boo

2010-08-29T14:49:00.001-07:00

Por mil vezes já falei nesse blog que uma banda desconhecida não é sinônimo de falta de talento, mesmo que ela já tenha longos anos de carreira em suas costas. Disse isso com Athlete, repeti com Thirteen Senses, e irei dizer uma vez mais para apresentar a maravilhosa banda PINBACK!
Diretamente da California, o Pinback é formado por uma dupla de talentosos músicos: Zack Smith e Rob Crow. E o que mais gosto desses duos indies - e isso fica muito evidente em Pinback - é o jogo de contraste que as duas vozes fazem em alguma canção. Não há segunda voz, ambos adquirem a mesma importância no conjunto da música, e isso não significa que eles cantam os mesmos versos juntos. Em algum momento é Zack que canta (voz mais aguda), em outro é Rob (voz mais grave), e assim ambos vão criando obras musicais muito gostosas e relaxantes de serem ouvidas, algo que poderia se relacionar ao movimento folk, embora Pinback não seja apenas violões.

Na música que apresento hoje a vocês, a lindíssima BOO, temos essa alternância de vozes bem clara, além de uma melodia bem calma e suave que combina perfeitamente com a voz da dupla.
Um tempero a mais para tornar a canção bem interessante é saber que, no início e no fim da música, podemos ouvir uma chamada de rádio. Essa chamada é de 1938, quando Orson Wells anunciou ao vivo em uma estação de rádio que marcianos estavam invadindo a Terra, narrando sua famosíssima ficção, “Guerra dos Mundos”! O próprio nome da música se refere a esse episódio, já que a população não encarou como uma ficção e entrou em desespero, portanto seria uma exclamação de susto, Boo.
Já a letra não tem muita relação com marcianos, Orson Wells, Guerra dos Mundos, o que for. Conta a história de um rapaz que está se afogando no mar e que deseja estar junto com a pessoa que ama, mas não consegue chegar a ela. Algumas pessoas encaram como uma metáfora, de alguém que ama outra pessoa mas não consegue ficar junto a ela. Outras pessoas encaram como uma situação literal, como se a pessoa amada estivesse na “praia” e o rapaz não conseguisse nadar até ela, morrendo, provavelmente. Aí vai da interpretação de cada um, né?
O que o rapaz no mar tem a ver com a chamada de rádio? Nada. Como eu disse, só um tempero a mais!

Enfim, espero que essa belíssima canção sirva para introduzir vocês ao excelente projeto musical dessa dupla. Pinback foi uma das primeiras bandas indies que ouvi, quando mal entendia como funcionava esse mundo lindo da música. E desde lá eu jamais deixei de lado suas canções, e posso garantir que eles tem MUITA coisa boa que vale a pena estar em suas playlists do mp3! :)

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Lifehouse - First Time [acoustic]

2010-08-17T07:18:00.000-07:00

Acústicos.
O tema de hoje são as versões acústicas de músicas... não-acústicas.

Fazer uma versão acústica significa arrancar fora de uma música sua bateria, sua guitarra, seu baixo, seu sintetizador, seu não-sei-o-quê elétrico, substituindo todos esses elementos por um violão bacana, quem sabe uma meia-lua de pandeiro, ou até mesmo uma gaita marota. Ou seja, é fazer uma versão onde tudo o que se usa são instrumentos que não precisam de uma tomada pra funcionar!
Eu prefiro compreender que fazer um acústico é tornar uma música apta para se tocar em um lual na praia, sim? Por outro lado, existem pessoas que dizem que fazer um acústico é pegar uma música chata e transformá-la em boa. Será?
Ao meu ver, uma versão "desplugada" (traduzindo de forma estranha o inglês "Acoustic Unplugged") tem todo o potencial para suavizar uma música, e não deixa de ser verdade que diversas canções ficam bem mais bonitas quando tocadas apenas em um violãozinho. Discordam aqueles que adoram um barulho com guitarra, distorção, etc, argumentando que um acústico pode ser monótono e entediante. Hummmm...

Uma das melhores bandas de todas na produção de acústicos é o LIFEHOUSE. Já falei deles nesse post aqui, e quem acompanhou sabe que Lifehouse tem a mania de trilhar minha vida. Se nunca ouviram, deem um play no vídeo e ouça Lifehouse pela First Time (tu-dum-tssss). A música tema de hoje é a primeira do vídeo, e logo de cara vocês podem notar que eles são bem competentes ao vivo também. Não sei se o segredo está na voz rouca do Jason, ou nos acordes sempre em harmonia de suas composições, ou ainda nas batidas do violão, mas veja que nem há o que inventar, é tudo muito simples em um acústico, e com Lifehouse eles funcionam muito!
First Time fala sobre sentir uma sensação muito boa com alguém pela primeira vez, e bem, por mais sugestivo que isso tudo pareça, eu nada posso garantir sobre o que eles verdadeiramente estão falando, né? :)
A versão original você pode ver nesse link aqui, e explora muito o som da guitarra, além de ser beeeem animada. Pessoalmente, prefiro a versão acústica, que trouxe um tom mais intimista à canção, ou até mesmo uma sensação gostosa de fim de tarde.

Se os acústicos melhoram as canções ou as deixam monótonas eu não sei, afinal, isso varia com o gosto de cada um. Mas posso afirmar que a primeira pessoa que teve a ideia de recriar sua própria música de maneira acústica é um GÊNIO, afinal, reciclar é fácil, mas reciclar com originalidade e qualidade... não é para qualquer um.

Death Cab for Cutie - Lightness

2010-08-05T19:02:00.000-07:00

Olá queridões.
Meus últimos três posts, pelo que vejo, deixaram de lado um pouco a proposta de descrever sobre determinadas músicas para discutir assuntos mais amplos, como o indie-rock, o indie-electronic, projetos paralelos e o fenômeno Coldplay. Com o post de hoje, vou retomar a ideia de debater sobre uma música em específico, até que me apareçam novos temas mais genéricos a serem discutidos.
E a canção do dia ééé... LIGHTNESS, do querídissimo DEATH CAB FOR CUTIE.
Se quiserem saber mais sobre a banda e um pouco sobre uma outra canção dela, é só entrar nesse post aqui. Hoje vamos, de fato, tentar nos concentrar em uma análise de Lightness.
Sobre a letra da canção: simbolismo, metáforas, sugestões, poesia. Lightness tem todos elementos necessários na letra para encantar todas aquelas pessoas que adoram brincar de decifrar o que o "poeta" está tentando dizer, ou para viajar em cima da composição mesmo. Logo, não podemos afirmar nada com certeza sobre o que a mente criativa de Ben Gibbard quis dizer, mas uma sugestão bem aceitável é sobre o bom e velho dilema entre o coração e a razão. Uma história onde um rapaz gosta de uma moça que não o corresponde por causa da razão. Um verso mais simples, traduzido, diz: "Seu coração é um rio, que flui de seu peito para todos os órgãos. Seu cérebro é a barragem, e eu sou o peixe que não consegue chegar ao núcleo". Obviamente, sendo o autor da canção o possível rapaz, no verso seguinte se esforça em tentar convencer a moça que ela deve seguir o coração: "Você não deve pensar sobre o que você está sentindo" ou "Os instintos são enganosos, eles não te dizem o que você realmente deseja". E o enigma da canção fica no refrão, formado por três simples palavras: "Ivory Lines Lead". Alguém que sabe muito de inglês saberia informar o que ele quis dizer com essa expressão? Bem, independente de você saber inglês, o que você acha sobre o debate "Razão X Coração"? Minha opinião é.....

Quanto à melodia, uma beleza INCRÍVEL. Garanto que tem uma das melodias mais bonitas que já postei aqui, aquela que traz no pacote elementos para tentarem fazer você chorar, MESMO. No refrão, o vocalista ainda faz um "who-hooo" viciante e depressivo que, para mim, é a marca da música. Você deu play no vídeo e se encantou, não é?
Aliás, o album em si que contém essa música, o tal do TRANSATLANTICISM, tem um 'quê' de Radiohead, tanto na melodia mais depressiva, quanto nas letras mais viajadinhas. A diferença é que Death Cab procura ir para um lado de discutir mais o amor, ao invés de críticas ao capitalismo, à sociedade, enfim... Talvez Death Cab for Cutie seja um pouco mais... humano.

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ps1: Death Cab? Dedicado à minha namorada, claro! :)
ps2: Minha última tentativa, acho: se você é a pessoa que encontra meu blog todo dia no google pelos dizeres "comentários acerca da música karma police dos radiohead", me dê um alô pelos comentários, vai.

Coldplay - What If

2010-07-27T06:54:00.000-07:00

Coldplay: AME ou ODEIE.

Essa é a situação atual da banda Coldplay, pelo menos no Brasil: de um lado, fãs apaixonados que os defendem com unhas e dentes, e de outro, pessoas que enchem o Coldplay de críticas até o pescoço. Raramente você encontra alguém que diga "por mim tanto faz, sou indiferente ao som deles". Ou Coldplay é emocionante ou é monótono. Ou são talentosos ou são enjoativos. Ou tem músicas lindas ou tem músicas patéticas. A questão é, como uma banda consegue dividir tanto a opinião de quem a ouve para chegar nessa relação entre extremos de amor e ódio?
Para tentar analisar essa situação, temos que voltar ao passado, na época que Coldplay não era ainda uma banda de estádio ou arena. Quando surgiu por volta dos anos 2000 com seu debut "Parachutes" (com músicas excelentes como "Don't Panic"), a banda foi alvo de inúmeras comparações com outras bandas já existentes. Entre elas, Radiohead, e seus fãs não deram chance à ideia de uma possível banda que estava imitando Radiohead estar ganhando espaço no cenário musical. A raiva que se criou naquela época prevalece até hoje, e são raros àqueles que curtem a banda de Thom Yorke e gostam de Coldplay também. É bem provável que essas comparações do passado seja um dos motivos para muitas pessoas do presente não gostarem de Coldplay.
Outro motivo provável é que, infelizmente, muitas pessoas tem um certo preconceito com bandas que fazem canções, como podemos dizer... melosas demais! Não, Coldplay não é apenas "The Scientist" e outras músicas mais melancólicas que todo mundo conhece, mas essas canções que fizeram a fama deles, e por isso são caracterizados por elas. Injusto ou não, a verdade é que o argumento de muita gente para dizer que Coldplay é ruim é que eles fazem canções para pessoas delicadas, sendo bem eufemista.
Enfim, a popularização da banda acabou trazendo uma nova renca de odiadores. Não irei falar sobre síndrome de underground, não hoje, mas todos sabem que existem MUITAS pessoas que, por auto-afirmação ou pseudo-personalidade, criticam bandas boas apenas pelo fato delas serem mais populares. Coldplay se popularizou no mundo com o último álbum, o VIVA LA VIDA, e no Brasil também, após ser trilha de novelas, de seriados, enfim.
Agora, quer um bom argumento para entender o por quê de Coldplay ter incontáveis fãs e admiradores de seu trabalho? É simples. Essas pessoas superaram qualquer comparação sem sentido, desataram-se de preconceitos, não enxergaram a popularidade como um atributo ruim à banda, e enfim se deixaram levar por músicas maravilhosas, como WHAT IF, a música-título de hoje.
Agora eu quero saber a opinião daqueles que acompanham / visitam o blog, com seus argumentos pessoais, é claro: Vocês amam ou odeiam Coldplay?

ps: eu gostaria, sinceramente, de conhecer a pessoa que todo dia entra no meu blog pelo google através das palavras chaves "comentários acerca da música karma police dos radiohead"! Por favor, apresente-se nos comentários! hahaha

The Postal Service - Sleeping In

2010-07-15T06:49:00.000-07:00

No post de hoje, dois assuntos interessantes: projetos paralelos e o tal do indie electronic.
Vamos começar pelo mais abstrato... Todos aqui sabem que a música eletrônica se divide em milhares de ramificações, que eu não saberia explicá-las nem diferenciá-las, mas o importante é ter na cabeça que duas bandas muito diferentes podem ser classificadas como eletrônicas. Não importa se a banda compõe sua canção baseada somente na tecnologia e em instrumentos eletrônicos, ou se em algum momento causa uma simples distorção eletromecânica na melodia da mesma; em ambos casos, as bandas são classificadas como eletrônica, então você já consegue imaginar quantas variações podemos ter. Até hoje, novas ramificações surgem para esse gênero, e a aparição dos anos 00' que interessa ao nosso blog é a mistura da música alternativa com o eletrônico, o indie electronic. E se a ideia atual das bandas indies é dar uma roupagem nova ao rock, ao pop, ao grunge, [...], por que não transportar isso para a música eletrônica? O resultado não pode ser outro: corpos que vibram e dançam com os efeitos de sintetizador/ computador, misturados à uma leveza impressionante para o gênero. Vamos pegar uma banda famosa por consagrar a música eletrônica: Depeche Mode. Imaginem toda energia das canções dessa banda sem a parte que as torna densa, pesada, forte... AHÁ! Você acaba de produzir um indie electronic.
Podemos pular para os projetos paralelos? Sim? É importante notar que a maioria dos grandes artistas do mundo da música não se contentam com apenas uma banda principal, apenas um projeto para a vida toda. Não importa se for pelo tédio, pela ambição, pela maluquice, pelo fogo no rabo, o que importa é que bons artistas criam projetos paralelos (novas bandas, carreira solo, um mix com integrantes de outras bandas, enfim...). E o grande artista que falo hoje é o senhor Ben Gibbard, frontman da maravilhosa banda indie Death Cab for Cutie, e que criou em 2003 com Jimmy Tamborello (Dntel) e Jenny Lewis (Rilo Kiley) o "THE POSTAL SERVICE", um dos melhores projetos paralelos que já conheci na vida. O resultado? Clique no play e conheça um Indie Electronic de primeira. :)

ps: a categoria "fogo no rabo" foi inclusa para homenagear Jack White. Enquanto você lê esse post, ele está criando novos projetos paralelos.
ps2: "Sleeping In", a música título de hoje, recebe muitas comparações com Owl City, uma outra banda (de um só homem) de indie electronic que vale muito a pena ouvir. Só para constar.

The Kooks - She Moves on Her Own Way

2010-07-05T06:35:00.000-07:00

O tal do indie rock traz polêmica. Penso que já falei isso aqui antes, mas vale o replay. Que raios é esse tal movimento indie que tanto se expandiu na última década?
Originalmente, designava qualquer banda que produzisse o próprio cd de maneira independente. Mas todo mundo sabe hoje que esse conceito caiu, eu mesmo não saberia dizer quais das bandas que já citei aqui realmente gravaram um álbum sem nenhum tipo de contrato com gravadoras e produtoras. Provavelmente, nenhuma. Mas são indies, sim, de cabo à rabo, indies.
A verdade é que hoje o indie é um gênero musical, um rótulo, diria mais, um estilo. Sim, você pode se vestir de maneira indie, pode agir de maneira indie, pode falar como um indie. Um estilo, não é mesmo? Eu poderia me esforçar para tentar caracterizar para vocês essa maneira de agir como um indie, as roupas que um indie usam, etc., mas como minha área é música (e não moda, rs), ou tentar falar para vocês qual minha visão de algo indie e genérico.
Primeiro, vou deixar claro que tenho consciência que duas bandas consideradas indies podem ter sonoridade opostas. Por exemplo, Sigur Rós e Fleet Foxes. São indies, mas Sigur Rós é experimental e post-rock, já Fleet Foxes se encontra na área Folk. Então, quando digo Indie Genérico é aquele som que é simplesmente indie, sem outros rótulos.
Falo de um violão agitado que tenta colocar todo mundo pra dançar, enquanto o vocal da banda é despretensioso e segue a música na alegria, na melancolia, no ritmo que for. Falo de uma guitarra especial, diferente daquela do rock n' roll com solos animais que deixavam todos enlouquecidos. A guitarra indie acompanha a música, criando todo o plano de fundo da canção com simplicidade e eficiência, tendo seus momentos de destaque e uma humilde omissão para que os outros instrumentos tomem a frente e se destaquem também. Falo de um clima leve, não tão leve quanto o folk, mas algo que longe de te inspirar uma revolta a ponto de você tentar quebrar seu quarto. É algo gostoso de se ouvir, e diferente da opinião de muita gente, canções com profundidade!
Por fim, a tradução de tudo o que eu falei está com SHE MOVES ON HER OWN WAY, a música-título de nosso post. Se ainda não entendeu, dê um play no vídeo e entenda, na prática, o que é o indie rock nos anos atuais.

ps: Segundo o G.analytics, The Kooks é a segunda banda que mais atrai visitantes para o meu blog, perdendo para Radiohead. Bacana isso, mostra que o público deles no Brasil só está crescendo. :)

Theory of a Deadman - Not Meant to Be

2010-06-22T20:44:00.000-07:00

Foi em 2006, provavelmente, que conheci THEORY OF A DEADMAN. Como grande parte dos brasileiros que conhecem essa banda, estava jogando Fahrenheit - um dos melhores jogos de ps2 - quando fui apresentado a eles, e desde então TOAD se tornou minha banda favorita. Quanto à música do jogo e o dia em que conheci Toad eu falo em outro post, pois hoje eu vim apresentar essa fenomenal banda para vocês através de outra música, possivelmente a melhor deles: NOT MEANT TO BE.

Avaliando o panorama atual do blog, Toad não se encaixa muito bem aqui, afinal, é uma banda de post-grunge, aquele movimento bem intensificado por Nickelback, e quem conhece sabe que post-grunge não é muito relacionado ao cenário indie e alternativo que tanto espalho por aqui... PAUSE II - oh mel dels, o que é post-grunge? basicamente, ele traz as características do grunge (uma guitarra suja, riffs simples e pegajosos, refrões turbinados) mas de uma forma mais comercial. PLAY I> - Mas eu não me importo se ele está um pouco deslocado perto de outras bandas que mostro por aqui, o importante é que as músicas são ótimas, e é isso que vocês querem ouvir, não é mesmo? \m/
Eu poderia ter escolhido uma música super rock n' roll pra vocês conhecerem bem a cara do Toad, ou poderia ter usado Santa Monica - a música do jogo, mas preferi apresentar Not Meant to Be pra não ter riscos de vocês não se apaixonarem por Theory, afinal, eu sinto como se fosse uma missão minha na Terra disseminar o som dos caras pra todos. Já fiz isso como radialista na minha escola, e faço agora aqui no blog!
É uma canção com uma letra bem deprê (olha só! no padrão do blog), mas ela é linda, linda, linda, [...]. Reparem a força da guitarra no começo, reparem na voz de Tyler, reparem como o violão de base segura a melodia, e reparem como o tempo da música passa voando. O enredo é de um rapaz que percebe que o relacionamento amoroso dele não está dando certo ("é como um passo para a frente e dois para trás"), chegando à conclusão que eles não deveriam ficar juntos. Mas o melhor da história é notar que ele que sempre gostou dela ("nunca é suficiente dizer que te amo, nunca é suficiente dizer que eu tento" ou "não importa o que eu faça você está sempre confusa e eu não posso mudar sua cabeça"), e é uma situação por qual todos nós passamos, a de gostar de alguém, não ser correspondido, até notar que chegou a hora de 'cair fora'.

Ouviram a música? Linda, não?
Not Meant to Be está inclusa no último album lançado pelo Toad, o Scars and Souvenirs, por acaso o meu preferido, embora seja impossível desqualificar os outros dois álbuns lançados anteriormentes, tão fantásticos quanto este. Atualmente, Theory of a Deadman divide seu espaço de banda favorita com Muse e Radiohead, que entre os três, é o mais desconhecido. Na minha escola eu joguei Toad pra todos ouvirem e foram muito bem aprovados... e por aqui, funcionou?

ps: post dedicado ao Renanzito que, um dia antes de eu começar o blog, disse: "se um dia escrever sobre Theory, dedica o post pra mim" hahaha

Athlete - Trading Air

2010-06-12T12:05:00.000-07:00

Alguém aí acompanha o blog desde seu primeiro suspiro? Pouco provável que sim, mas caso essa pessoa louca exista (e não seja minha namorada), deve se lembrar que o blog nasceu sob o som de uma banda britânica desconhecida e super carismática em suas músicas, o ATHLETE. Se você não acompanha, tem a opção de correr nesse post aqui e ter uma apresentação completa à banda que inaugurou o blog, com a melhor música deles. Agora, se você está com preguiça de ir até lá, it's alright (!), através desse post aqui estou te dando mais uma grande chance de conhecer e se apaixonar por Athlete com a canção TRADING AIR.
Da primeira vez falei sobre Wires, uma musiqueta deprê e linda ao cubo que tinha uma história super emocionante onde Joel Pott (o vocalista da banda) narrava o primeiro dia de vida de seu filho, nascido prematuro. Dessa vez, falo de uma canção tão bonita quanto a primeira, mas que investe na simplicidade e leveza para conquistar o público. Sim, bem diferente de Wires, Trading Air conta com um leve enredo de amor, e nada de complexidades no refrão: "Tudo o que eu quero é você".
Mas vamos parar de comparativos e focar nessa canção em si. O teclado é o ponto forte do Athlete e nessa música é evidente o porquê! A composição é muito gostosinha de se ouvir, tão suave quanto à letra da música, e eu só não digo que entra para o rank das músicas "é impossível que alguém não goste", pois sei que muita gente curte algo mais agitado.
Algo importante a se dizer: não confundam "simples" com "superficial", clicando aqui você tem acesso à tradução da música (com uma leve propaganda do Terra - que não me patrocina) e pode notar que ela é trabalhada sobre pensamentos que já podem ter passado pela cabeça de muita gente, principalmente dentro de meus amigos poetas que acompanham o blog (Pedrão, Niemi...), aposto que há uma identificação em trechos como "Eu sei que nós precisamos conversar, mas eu não consigo capturar meus pensamentos, estão presos e assustados com o que você pensa".
Enfim, esse é o Athlete, uma banda que eu admiro muito mesmo, e que sabe compor músicas lindas com a facilidade que um pintor experiente cria um novo quadro. São raros aqueles que conseguem criar com simplicidade climas diferentes em canções, e Athlete é mestre nisso, além de ser parada obrigatória para quem curte tecladinho, pianinho, romancezinho, poeminhas, [...]

ps: um bom dia dos namorados pra galera que acompanha o blog, tanto pra quem vai curtir com alguém, quanto pra quem vai curtir sozinho ;]
ps2: deem sugestões de como vcs preferem meus posts, com mais seriedade, com mais informações, com mais piadinhas, se tá bom assim, enfim, eu agradeço! =]
ps3: ferramente de seguir logo ao lado já está funcionando normalmente, por algum motivo, eu tinha problemas com elas. tudo normalizado, quem quiser, é só apertar o botão! obrigado, galera!! :D

Incubus - Dig

2010-05-31T20:05:00.001-07:00

As "Granadas Luminosas" é o título de um álbum sensacional mesmo. Tanto na arte linda do encarte quanto nas composições caprichadas da banda INCUBUS. Conversando com fãs da banda, o pessoal parece mais conservador e prefere os cds antigos da banda (Light Grenades é o mais recente, 2006). Eu discordo, o último cd tem canções lentas e bonitas, uma guitarra marcante nos arpejos, alguma músicas fortes e pesadas como sempre, e segura a melhor característica da banda: as letras inspiradas.
Da última vez, quando falei de como o amor dói, foi um aperitivo da gama de boas letras do Incubus, mas algumas pessoas ainda podem considerar um clichezim uma música falando de amor. Então vamos brincar com uma letra diferente, que fala sobre mudanças, egos, pessoas convencidas, ~~garotas maníacas com uma pá na cabeça de um moçoilo~~...

Dig é uma música profunda, e se você sabe inglês - e sabe o que significa o verbo "to dig" - você me acha um animalzinho por essa piada infame. Se você duvida da originalidade das letras de Incubus, veja essa:
[SAP]"Então quando a fraqueza aumentar meu ego, eu sei que você vai contar com meu "eu" do passado. Se eu me transformar em outro, me desenterre de debaixo daquilo que estiver cobrindo a melhor parte de mim."[/SAP]
Não sei quanto a você, mas eu acho genial uma canção que fala, de uma forma até narrativa, sobre alguém que muda de personalidade e busca em outra pessoa uma alternativa de se redimir e voltar a ser o que era antes. Muitas pessoas quando se tornam 'convencidas' (popularmente falando), negam suas mudanças, e por mais que alguém tente alertar ou ajudar essa pessoa a retomar sua humildade, ela se fecha ao mundo. O "personagem" da canção do Incubus não age assim, e antecipadamente pede para que outra pessoa a traga de volta caso essa fraqueza se manifeste... Confuso demais, ou deu pra entender o raciocínio?
No mais, todos irão concordar que é uma boa letra para uma reflexão básica, afinal, todos nós somos vulneráveis a esse tipo de fraqueza! E você, o que faria para evitar se tornar uma pessoa chata e convencida?

E pra não dizer que não falei da melodia, Incubus conseguiu encaixar esse enredo em uma batida bem suave, um dedilhado de guitarra gostoso, e um refrão que gruda na cabeça. Bem verdade que até parece uma musiqueta de amor para quem ouve ignorando a letra, mas isso não muda a essência da canção. Enfim, pacote completo pra você levar pra casa, uma música que pode tocar em suas playlists por um boooom tempo :)

Death Cab for Cutie - A Lack of Color

2010-05-22T10:37:00.000-07:00

Diretamente da máfia de músicas feitas para se relaxar - onde já lhes apresentei canções de Say Hi to Your Mom e Coldplay - largo na mão de vocês DEATH CAB FOR CUTIE e uma de suas obras-primas: A LACK OF COLOR.
Descrever essa canção é tão difícil quanto descrever a banda Death Cab. Os rótulos carimbam: "Indie Rock". Ok. Mas e quanto à sonoridade e o sentimentalismo imposto nas produções da banda? Guitarras e riffs assombrosos ou um violão folk? Um ritmo barulhento de shoegaze ou um tecladinho bacana de piano-rock? As pessoas tem a necessidade de falar em gêneros ou classificações para apresentar uma banda para alguém, e isso pode até funcionar em muitos casos, mas não com Death Cab for Cutie.
Um dia a revista Rolling Stone disse sobre o som deles: "[produzem] canções melancólicas sobre um sentimento simultaneamente inteligente e confuso, totalmente romântico, mas tratando o amor com cautela". E então podemos ter a ideia de que estamos falando de um som complexo e até paradoxal. Afinal, alguém que é romântico deveria estar totalmente entregue ao amor, não agindo com cautela, certo?
Vamos brincar então sobre a música A Lack of Color. Dê um play no vídeo pra acompanhar. Primeiro, notamos que o nome da canção é "Uma Falta de Cor", mas logo ao ouvir o começo da música, é como se diversas cores estivessem pulando na sua cabeça, não algo psicodélico e alucinante, mas cores de uma aquarela, cores pinceladas em uma paisagem bonita aleatória. Agora, se você pegar a melodia separada da letra, é óbvio que você imaginaria algo romântico que você enviaria para sua namorada... não é? Vai lá ver a tradução então, vai! É algo que você se deprime só de ler. "Suplico para você voltar para casa, mas sei que é tarde demais, eu deveria ter te dado um motivo para ficar". Por fim, o que eu julgo mais chamativo da canção, ainda nesse campo de paradoxos, é perceber que é uma música muito forte (que fecha uma atmosfera ao nosso redor), e paralelamente consegue ser totalmente relaxante! Enquanto teoricamente seria uma música que sufoca e incomoda, acaba entrando para nossa máfia do relaxamento, citada no primeiro parágrafo. :D
Então talvez o segredo para falar em Death Cab for Cutie não seja citar gêneros e classes musicais, mas sim descrevê-la através dos sentimentos despertados na gente ao ouvir uma canção deles. Ajude, portanto, a definir Death Cab. Quais sentimentos A Lack of Color despertou em você?

ps: post dedicado à Rúvila, fã nº1 de Death Cab e - não menos importante - minha namorada linda :)

The Kooks - Sway

2010-05-12T06:47:00.000-07:00

Depois de passar por algumas músicas experimentais, músicas atmosféricas e músicas alienígenas, voltamos à nossa programação normal, com um sonzinho indie básico - e bem romântico, diga-se de passagem - pra envolver um pouco mais os apaixonados e a galera mais sensível que acompanha o blog.
E quando eu penso em algo indie-básico, logo brota um The Kooks na minha cabeça. Serei bem sincero ao dizer que não é do feitio deles produzir baladinhas e canções mais calmas no geral. Salvo alguns "GAP" da vida, podemos claramente notar que a pegada deles é algo mais folk e alegre. No entanto, quando eles resolvem mandar uma música romântica você tem que se preparar... eles são monstruosos!
SWAY é o tipo de canção que faz com que você diga "esses caras são ótimos" sem precisar ouvir outras produções da banda. É claro que pra quem ama esse universo musical, é até um pecado julgar uma banda por uma única faixa, seja ela ruim ou excelente (como no caso de Sway). Porém, é um mérito e tanto para o artista ter uma canção que instigue a curiosidade de quem a ouve, com a finalidade que busquem mais material da banda.
E esse é meu objetivo nesse post de hoje. Deixá-los curiosos e sedentos por mais material do The Kooks, pois vale muito a pena!
Preenchendo a cota básica do post, vamos para aquele momento onde eu tento descrever o som pra vocês, ou o que me encanta nele. A letra é simples, mas naquele estilo que gruda; você pode passar um bom tempo da sua vida com o refrão na cabeça "cause I need your sway, because you always pay for it", principalmente com os "and I, and I..." do senhor Luke Pritchard, o vocalista feio da banda. Mas, de longe, o melhor da música está no solo de guitarra. Li em algum lugar, talvez no encarte do album KONK deles, que Hugh disse que estava em um momento de inspiração excepcional no momento que criou aquele solo. E qualquer admirador da boa música há de concordar que ele provavelmente estava vivendo esse momento mesmo, pois ele criou um clima épico com a guitarra. Preciso lembrar que não é um solo pesado, se por acaso alguém relacionou as palavras "excepcional" e "épico" com aqueles bons solos de metais. Não. Pois um solo de guitarra pode ser algo mais calmo e muito bonito também, que te envolve, que te transporta, que arrepia qualquer um.
Ficou curioso para ouvir mais canções do The Kooks? Espero que sim, assim posso dizer que meu objetivo foi cumprido :)

Sigur Rós - Svefn-g-Englar

2010-05-05T06:58:00.000-07:00

Alô pessoal, como estão? Espero que bem.
Há alguns posts atrás falei sobre a fantástica banda Sigur Rós, e falei com um pé atrás, supondo que poucos entenderiam a proposta dos músicos islandeses, e que dessa forma seria um post pouco aprovado por vocês, leitores bacanas do meu humilde blog.
No entanto, fui surpreendido; uma pancada de comentários amigáveis e interessantes surgiram, que além de me deixar contente, acabou por me trazer a ideia de comentar alguns comentários.
ANH? Comentar os comentários?
Isso mesmo. Não todos, é claro. Mas aqueles que sem dúvida enriqueceram a ideia de divulgação do post. Então vamos lá.
O Matheus Rego, que tem um interessantíssimo blog sobre filmes (http://boitedufilm.blogspot.com/), fez o favor de me lembrar através de um post dele que Sigur Rós possui um filme [um documentário na verdade] chamado Heima, relatando sobre a tour dos Islandeses em 2006. Claro que o filme é super artístico e tem a trilha inteira produzida pelo Sigur Rós, e para quem gostar da banda, não tenha dúvida que você deva correr atrás desse filme (estou correndo até hoje, kkk).
A senhorita Rúvila, uma moça muito bonita (ainda vou casar com ela, podem ter certeza), dona do blog http://minidesastres.blogspot.com/, lembrou-me que um dia aleatório eu disse para ela que Jonsi, vocalista do Sigur Rós, utiliza sua voz como um instrumento musical, já que de certa forma, está mais preocupado com a sonoridade que seus agudos podem criar, e com a harmonia que sua voz terá com o resto da canção, do que com a letra em si, que deixa como livre interpretação para seus ouvintes. Bem lembrado, mocinha! :)
O nosso amigo que atende pelo pseudônimo de Pobre Esponja (do http://pobresponja.blogspot.com/) não gostou da definição de "estranho" que dei ao Sigur Rós, acrescentando comicamente que estranho são as músicas da Ivete Sangalo, e essas coisas que ouvimos por aqui. Tudo bem, se assim preferirem, vamos chamar Jonsi e seus colegas de excêntricos, porque você irá concordar que eles não são nada convencionais, sim?
Por fim, quero deixar duas frases citadas nos comentários que achei excelentes e complementares ao post.

Da moça-poetisa Niemi (http://universo-in-verso.blogspot.com/): "A arte está na beleza daquilo que não está tão evidente..."

Do sempre sensacional em seus comentários, Italo Richard (www.todososouvidos.blogspot.com): "Gosto de tudo que busca originalidade, sem soar pretensioso e forçado. Sigur Rós me transmitiu essa sensação,e o fato do vocalista ter criado sua própria língua faz com que se crie um mundo a parte (que não é possível a todos), o que é, para mim, totalmente original. Até porque algumas coisas são feitas não para serem entendidas, mas para sentir! E eu senti boas vibrações ao som do Sigur Rós."

Depois de todo esse papo sobre Sigur Rós, deixo minha música preferida deles com vocês. São dez minutos de músicas, mas da última vez que coloquei um vídeo grande assim, ninguém reclamou, até chegaram a apoiar! E sei que quem quiser conferir mais da banda ouvirá pelo menos um trecho de SVEFN-G-ENGLAR, melancólica, bonita, excêntrica (rs), sensacional. Beijos. =*

Thirteen Senses - Gone

2010-04-28T06:54:00.000-07:00

Dizem que eu sou fissurado por uma música deprê. É, dizem mesmo! Falam que alguém como eu, que ouve Radiohead demais, só pode ser uma pessoa triste!
Dizem também que eu só curto músicas fossas e sentimentais, que é algo emo de minha parte, e dizem mais uma porção de coisas...
As pessoas devem dizer bastante sobre você também, mas você de fato se importa? Tudo o que dizem de ti é verdade?

Depois de uma introdução quase intimidadora, venho por meio deste post dizer que NÃO, eu não somente curto músicas fossas, eu não sou emo, eu não sou triste! Eu sou bobo-alegre até demais, queridão! Mas eu posso confessar algo... talvez eu seja, realmente, fissurado por algumas musiquetas deprês! :D
Só isso pode explicar o quanto me apaixonei pela derrubadora de almas "GONE", canção da linda e maravilhosa banda THIRTEEN SENSES. Já falei de algumas bandas desconhecidinhas aqui, aliás foi tema de meu primeiro post no blog com os adoráveis músicos da banda Athlete. Então já sabem a regra, ser desconhecido não quer dizer nada, vejo Thirteen Senses com uma competência incrível, bem melhor do que muita banda bem reconhecida e famosa que vaga por aí. Portanto, sem preconceitos com o quase anônimato da banda (que lançou um terceiro álbum esse ano e não fez barulho nem em sites super indies :/), ouçam Gone sem discriminação alguma, ok? rs
Gone tem três coisitas que fizeram eu amá-la, e trazê-la a vocês aqui no blog:

- o violão
- a guitarra
- a voz de Will South
O violão é lindo demais, os caras encontraram uma combinação de acordes perfeitas, que por pura desgraça (leia-se 'pelo fato da banda ser desconhecida') não encontro as cifras da canção em site nenhum, e como [ainda] sou incompetente do ouvido, não consigo nem brincar de tocar Gone em casa! :/ Quanto à guitarra, tem um riff dela no refrão que, putz, é uma delícia de ser ouvido enquanto a voz de Will canta. Prestem atenção nesse refrão, é uma delícia de ser ouvido com fones :). Ah, e por falar da voz do Will, só digo uma coisa, se é pra ser um homem com voz fina, tenha uma parecida com a dele, pois traz uma intensidade e emoção à canção que é indescritível.
A letra fala sobre alguém que tenta superar algo, e todas as vezes que ele olha para para uma certa pessoa, a chama de seus olhos se apagaram. Some isso à triste melodia, ao violão, à guitarra e à voz de Will, e você terá não somente uma triste canção, mas uma belíssima música para te acompanhar em dias nublados.

Lostprophets - Sway

2010-04-21T10:50:00.000-07:00

Noite.
Um lugar deserto, cercado de árvores, um céu estrelado.
Um anjo com asas negras te encarando de um lugar um pouco distante de ti.
Está ventando, faz frio. Algo está se mexendo dentre o mato e estranhas luzes aparecem no céu.

Mas o quê? O dono do blog está sob o efeito de drogas, sim? Não! Esse é o efeito que uma música atmosférica como SWAY, da banda LOSTPROPHETS causa em mim. Eu gosto mesmo dessa tal classificação de música como sendo "atmosférica". Já falei disso aqui antes? Então estou falando agora! Atmosférico pra mim são todas aquelas canções capazes de te transportar para outra dimensão, de criar uma história na sua mente logo nos primeiros segundos de melodia, capazes de te dopar por dois, três, ou quase dez minutos (como no caso de Sway).
Sim, são nove minutos de música! Mas eu não estou imaginando que vocês irão dar play no vídeo (desde que descobri que nem minha namorada ouve as músicas, desencantei dessa ideia), no entanto, veja bem queridão, aqui é um lugar de recomendações, e se você se interessou pela ideia de uma música que traga esse conceito de viagem atmosférica, não importa o tempo da música, você irá ouvi-la conforme seu interesse! O que posso garantir é que o som desses caras é bom! Lostprophets é uma banda com um rock mais pesado, que se formou a partir de um projeto paralelo, e hoje já traz um repertório excelente de canções para quem curte guitarras mais agressivas e refrões que se instalam na sua mente por tempo indeterminado.
Sway é uma música experimental da banda (portanto, um pouco diferente do que eles normalmente produzem), que se divide em duas partes, onde a segunda é apenas instrumental, sendo por acaso a parte mais propícia a causar o efeito citado no começo do post. Aliás, se não quiser ouvir a música inteira, coloque apenas em um dos trechos da parte final e terá ideia do que estou falando!
Mas se você quiser ouvir inteira, dê um play, minimize o blog, continue fazendo qualquer outra coisa bacana que você sempre faz na net, e relaxe... serão dez minutos de pura viagem junto com os profetas perdidos!

Sigur Rós - Gong

2010-04-13T06:53:00.000-07:00

ALERTA: Este post contém uma música estranha, de uma banda estranha, e pode ser totalmente diferente de tudo que você já ouviu. Se você gostar da música, você é estranho. E diferente.

Evitei entrar com Sigur Rós aqui. Juro que evitei. Mas não tem jeito, seguindo a minha missão de disseminar boas músicas alternativas do cenário internacional, teria que passar por esse momento, divulgar-lhes o que pode não agradar a todos. Sim, caro leitor, tenho plena consciência que não é todo mundo que se identifica com o som de Sigur Rós, e diferente de bandas como Say Hi To Your Mom, onde garanti que a maioria iria se amarrar no som, sei que dessa vez são poucos que podem virar fãs dos islandeses aqui apresentados... Mas visando a possibilidade que esse pouco que curtir pode se apaixonar pela banda, eu sigo com esse humilde post.
Você se pergunta: O que eles tem de diferente de outras bandas? Bom... um dia li uma descrição sobre Sigur Rós que dizia que suas músicas parecem ter vindo de outro planeta. E é essa a descrição que levo a sério. Sigur Rós é algo um tanto extra-terrestre, primeiro porque é uma banda de post-rock, e quem alguma vez já ouviu um som de post-rock, sabe o quanto suas guitarras distorcidas e seus sons melódicos são diferentes do usual.
Segundo - e o mais inusitado - porque o vocalista Jonsi decidiu que sua língua natal (e nenhuma outra pelo mundo) expressava bem o suficiente o que ele queria passar em suas músicas. Nada parecia se encaixar com suas melodias, portanto, criou sua própria língua. Simples, não? O "Vonlenska" (algo como "Hopelandês" em português) é uma língua que supre a necessidade melódica das músicas e não tem uma tradução necessariamente. Você acha bizarro? Eu acho genial!
Por fim, Jonsi é dono de um dos melhores falsetes do mundo da música, e se você não sabe o que é isso, tente imaginar um homem cantando com uma voz fina, sem tornar isso patético ou ridículo, pelo contrário, tornando isso bonito e inspirador. Melhor do que tentar imaginar, dê um play no vídeo e ouça GONG, entendendo assim tudo isso que estou tentando te falar até agora!
Sigur Rós é para se ouvir em dias nublados e enquanto admira uma bela paisagem. Sigur Rós é a tradução de melancolia, misturado com uma estranha alegria. Sigur Rós chega a ser metalinguístico, eles fazem arte dentro da arte! Se você gosta dessa banda, você é estranho e diferente, mas quem afinal disse que isso é ruim?

The Radio Dept. - I'ts Personal

2010-04-07T06:48:00.000-07:00

Estou chegando aproximadamente no décimo quinto post do blog e noto que, veja que blasfêmia, não falei sobre nenhuma música instrumental ainda! :O

Vejo (ou melhor, ouço) a música instrumental como poesia pura: você tem o poder de dar a ela o significado que bem entender; mesmo que o autor tenha pensado em fogo, você pode ouvi-la como água! Às vezes as músicas instrumentais são mais sentimentalistas que músicas com letra... Elas permitem que você preste atenção em cada instrumento, em cada acorde, em cada troca de nota de um teclado, e com isso permitem que você se entregue com mais emoção ao som.
Músicas instrumentais são perfeitas para uma trilha sonora, não necessariamente de um filme, mas quem sabe a SUA trilha sonora. Sabe quando você está com seu mp3 voltando pra casa, o tempo escurece, a chuva começa a cair pesada, e você nota que está sem guarda chuva? Você pode se esconder na lanchonete do tio juca ou muito melhor, pode correr pela chuva que nem louco enquanto aumenta o volume da música que está ouvindo até o máximo, ignorando a gripe que irá contrair, mas aproveitando ao máximo seu momento cinematográfico! E é nessa hora que a música instrumental se mostra perfeita... é a hora que você sente a liberdade que a canção te dá por não ter uma letra. Não importa com qual intenção ela foi feita, aquela música significa sair correndo insanamente na chuva!
Para representar toda essa sociedade de músicas instrumentais, apresento-lhes THE RADIO DEPT.! Não é uma daquelas bandas que só produz canções sem vocal, e sim uma banda de shoegaze (pra quem conhece, do mesmo estilo de 'My Bloody Valentine' e 'The Jesus and Mary Chain'). Escolhi a música IT'S PERSONAL que é, por acaso, minha música instrumental favorita, e claro que não tentarei dizer o significado que vejo nela pra mim, para permitir a vocês, queridões, tirarem o seu próprio significado dela. :)
Sinta o clima da canção, sinta como cada instrumento e cada melodia entram em um determinado momento da música, sinta a composição final, deixe-se levar por Radio Dept. e toda a magia das canções instrumentais, um dia It's Personal pode ser a trilha de algum momento inesquecível de sua vida!

Lifehouse - Hanging By A Moment

2010-03-31T06:53:00.000-07:00

Life's soundtrack. Todo mundo tem uma banda ou um artista em espécifico no qual você pode dizer sobre suas músicas: "Eu escrevi aquela letra! Eu vivi o que ele viveu! Eu sei exatamente do que ele ta falando!". Talvez a sua banda seja Legião Urbana (conheço umas trinta pessoas cuja banda de identificação - como eu gosto de chamar - é aquela do Renato Russo). A minha banda é LIFEHOUSE.

Chega a ser difícil recomendar Lifehouse pra alguém; se eu tento explicar o que senti ao ouvir as melodias e ao buscar a letra da música, eu posso estar me afundando na minha vida particular, ignorando completamente que você, querídissmo leitor, não tem nada ver com minhas desilusões, erros e acertos... Mas por sorte, Lifehouse sempre facilita meu trabalho, e cria músicas de fácil digestão, que tem a capacidade de cativar as pessoas com seus primeiros acordes. Então, evito falar o que passei em minha vida que fez com que eu me identificasse com determinada letra... a regra é simples quando tratamos dessa banda: eu mando a música, vocês dão um play no vídeo, e então é só ouvir e curtir... Basicamente a ideia do blog seguida à risca! ;D
Você não sabe, mas já deve ter ouvido Lifehouse em algum seriado. Suas músicas mais famosas são You And Me e Everything, que agradam bastante as pessoas mais melosas que não gostam de ouvir barulho, preferem algo romântico, e diga-se de passagem, fofo. O lance do dia vai ficar por conta de HANGING BY A MOMENT, de um álbum perfeito chamado No Name Face, que só não digo que é o melhor porque há outros dois álbuns deles do mesmo nível de grandeza ("Who We Are" e "Lifehouse" - que se você parar pra pensar, tem o mesmo nome rs). Resolvi não colocar as músicas mais populares deles para provar que não é uma banda de poucos hits, há muita coisa bacana vinda desse trio de Los Angeles. Aliás, para quem perguntar, essa música não tem nada a ver com meu momento atual de vida, ok? Se fosse pra escolher alguma deles atualmente, seria "Breathing", na medida para alguém apaixonado :)
Há uma mini-polêmica envolvendo Lifehouse. Alguns dizem que é uma banda cristã, onde suas músicas são direcionadas para Deus. Por exemplo, em Everything, a letra diz "Você é tudo que quero, tudo que preciso, você é tudo". Muitos encaram como uma poesia feita para uma garota, enquanto outros dizem que Jason (vocalista/compositor) escreveu para Deus. Faz sentido. Eu sou daqueles que pensam que Lifehouse é livre para quaisquer interpretações, mesmo que limitadas entre "escrito para Deus" ou "escrito para uma garota", e mesmo que eu sempre tenha visto sob este último ponto de vista.
Independente do que você acredita, o importante mesmo está na música, no som do baixo sempre bem arranjado de Lifehouse, na voz incrível do vocalista, e no caso de Hanging By A Moment, na vida que a guitarra ganha durante a música. Com sorte, você começa a se identificar com as letras e vira um viciado pela banda como eu. Quem sabe, né?

Radiohead - Creep

2010-03-25T06:45:00.000-07:00

O que dizer de uma música que foi censurada nas rádios por ser depressiva demais?

Vamos pensar... ou a música é muito ruim e usaram a essência fossa dela como desculpa para dizer às produtoras "sua música não entra aqui", ou as rádios eram simplesmente insanas de barrarem músicas boas sob esse pretexto tosco de depressão! Minha opinião? Loucas, insanas, acéfalas! Como pode uma rádio simplesmente recusar ninguém menos que RADIOHEAD, hein?
Ok, eu posso estar me exaltando um pouco. Claro que se você acompanha meu blog, ou se você deu uma olhada no menuzinho ao lado chamado "marcadores", percebeu que eu sou um pouco viciado em Radiohead, rs. Os mais atenciosos notaram no título que estamos falando da música CREEP, e quem conhece sabe que esse foi o primeiro single da banda. Por fim, quem conhece Thom Yorke e suas composições sabe que chamar algumas músicas de Radiohead de depressiva demais é até eufemismo... Então, talvez as rádios nem tenham sido tão loucas ao recusar Creep em suas programações, mas se perguntarem nas ruas, eu nunca assumi isso, tá bom?
Afinal, sou daqueles que considero Creep uma obra prima! Quem prestou atenção no que eu disse ali em cima já sabe que foi o primeiro sucesso da banda, e Deus sabe se existiria Radiohead hoje caso Creep não tivesse se tornado um hit... Um hit para os perdedores, claro! Imagine a cena, pessoas de diversos lugares do mundo levam um pé-na-bunda da pessoa amada. Todos se reúnem, cabisbaixos e deprimidos, em um grande saguão, entoando em um único coro o refrão de Creep, que iremos ver na tradução abaixo:
[SAP]"Você é tão especial*, eu só queria ter sido especial... mas eu sou um verme, um estranho, que $@#&# eu to fazendo aqui? Eu não pertenço a este lugar".[/SAP]
Brincadeiras à parte, embora eu tenha estereotipado a música como um hit para losers, não preciso dizer que há uma beleza nela que só encontramos em canções de Thom Yorke, não é mesmo? Independente de você ter levado um pé, é uma excelente música para se ouvir sozinho em seu quarto, se você gosta de algo desse estilo, claro... E agora pasmem, os arranhões super animais de guitarra que são dados antes do refrão (e tornam essa parte bem agressiva) foram uma tentativa do guitarrista Johnny Greenwood de estragar a música, que ele não curtia muito! Só que todo mundo gostou, e agora é uma das marcas registradas de Creep! LoL
Bom, queridões, eu não sou um verme, não sou um estranho, mas como diz a letra, vocês são todos especiais para mim, por lerem meu blog! (nhó). Até a próxima música, folks, prometo dosar vocês com menos Radiohead nos próximos posts! :)

*na versão da rádio o trecho foi alterado para "you're so very special", enquanto na versão original temos "you're so fucking special" \m/

Incubus - Love Hurts

2010-03-16T16:11:00.000-07:00

Não se espante quando eu começar esse post falando sobre poetas e sobre o amor. Não quero entrar em clichês, nem na filosofia moderna, nem em movimento literário algum, afinal, você acha isso uma chatice, eu sei. Mas fiquem tranquilos, queridões, este blog ainda trata de MÚSICA!

No entanto, não conseguirei fugir disso... Para falar da canção de hoje, precisamos nos remeter aos poetas que diziam o quão contraditório é o amor. Veja que é simples de entender: no exato momento em que você se apaixona por uma pessoa e esta não corresponde aos seus sentimentos, a dor que você sente é imensa, quase inexplicável, você entra naquela fossa Radiohead e, na teoria, você que optou por esse sofrimento quando "doou seu coração" a essa pessoa.
"É querer estar preso por vontade", disse uma vez Camões, e quem irá discordar? Você sim? Eu não. Quando você vive um relacionamento perfeito com a pessoa que ama, você está preso a ela, mas você não se sente acorrentado, você sente apenas sensações boas, você tem a certeza que vale a pena ter esse elo com a pessoa. Mas e quando estamos no caso do amor não correspondido? Vale a pena se prender ainda assim a pessoa amada? Não, dessa vez não é Freud que aparece com a resposta, mas sim a banda americana INCUBUS, que bate no peito e diz que SIM, vale a pena "sofrer por amor", trazendo seus argumentos na bela música LOVE HURTS.
Vamos a alguns dados importantes para nossa vida, ou para esse post: Em 1960 a banda The Everly Brothers gravou uma música com esse mesmo nome que ficou conhecida quinze anos depois com a regravação da banda Nazareth. Muito diferente de Incubus, a letra sustentava que não valia a pena vivenciar esse amor; o amor machuca, as pessoas são iludidas, você acredita no amor porque você é tolo, ponto final. Por sua vez, Incubus traz um panorama otimista em seu sexto álbum, e caso você se atente ao refrão da música, irá encontrar tudo o que precisa para dizer "SIM, vale a pena amar!". Não é bonito?
Então, acompanhe comigo a tradução do refrão: [SAP] "Às vezes quando estou sozinho, penso: 'será que estou sob algum feitiço que me impede de ver a realidade?'. O amor machuca, mas às vezes traz uma dor boa que faz com que eu me sinta vivo. O amor canta quando transcende as coisas ruins, então tenha um coração e me teste, pois sem amor eu não irei sobreviver" [/SAP]
Na música de Nazareth temos uma metáfora que diz que o amor é uma chama (não é de se dizer "nossa, que original", mas enfim), que serve para queimar, machucar, ferir. Com Incubus, essa chama não existe para 'apenas' para essa função, mas também para trazer vida ao indivíduo! Não é bonito?²
Por fim, traz uma daquelas reflexões que eu sempre encarei como um "hino". Se você, de coração sensível, uma pessoa sempre apaixonada, for contestado por algum ser tolo que diz "aff, por que você insiste em amor, só traz dor de cabeça, meu!", erga o dedo indicador para cima (pose de sábio chinês) e diga para ele que quando o amor transcende os obstáculos difíceis, é capaz de lhe proporcionar as melhores sensações do mundo.
Pra quem se identificou com a letra e curtiu toda essa reflexão poética sobre amor, dê um play no vídeo e ouça Love Hurts, pois não irá se arrepender, já que irá se deparar com um lindo arranjo de guitarra, em uma baladinha muito gostosa de ouvir, que pode se tornar de grande importância para a vida dos apaixonados de plantão que sempre quiseram provar o valor de amar.
Ao som de Incubus, espero que tenha passado ao menos uma boa mensagem para vocês, caros leitores:
Nunca desista do amor, pois um dia encontrará alguém que realmente nasceu pra você, e então verá como tudo irá valer a pena e como o mundo ganhará cores especiais a cada novo dia que chegar! =]

ps: estou usando uma linguagem mais "descolada" para tentar cada vez mais me adequar ao universo dinâmico da música! Não, ninguém reclamou da linguagem usada nos posts anteriores, mas eu gosto de mudar, experimentar, enfim, comentem para que eu saiba a opinião de vocês quanto a linguagem, ok? :)
ps2: desculpem pelo texto grande, irei maneirar na próxima :/

Travis - Love Will Come Through

2010-02-28T11:28:00.000-08:00

Possuir uma identidade própria talvez seja um desafio para todas as bandas que começam sua carreira em uma garagem, compondo seus primeiros acordes em busca de reconhecimento ou de algum espaço para exibir seu som. Afinal, sem uma identidade se torna até difícil o processo de criação do artista, que pode se perder se não tiver um foco ou uma linha de pensamento para seguir. Se por um lado há bandas que não criam essa tal identidade por toda sua carreira (e isso pode ser favorável se a ideia for surpreender os fãs a cada música), por outro há bandas que não só criam, como abusam desta, ao ponto de você ouvir os primeiros segundos de uma música na rádio que nunca ouviu antes, e dizer: “é daquela banda lá”. Nesse caso, temos como o maior exemplo os escoceses da banda TRAVIS.
Um violão, letras sobre amor, batidas leves, uma voz calma e bonita, e já são seis álbuns de sucesso e shows lotados, seja onde os músicos forem. Com essa fórmula, os escoceses do Travis tiveram que encarar dois obstáculos que poderiam levar a banda a ser apenas mais uma dentre as milhares que surgem toda semana; primeiro, como evitar a mesmice e a repetição de som ao fazer tantas músicas com temáticas parecidas, e em segundo, como explorar o tema amor sem que ele pareça clichê e saturado. De fato, eram desafios difíceis, mas pra quem ouve Travis sabe que eles os encararam com muita competência, tendo a capacidade de fazer até pessoas que não gostam desse estilo de música se renderem à sutileza do som que a banda produz.
Para exemplificar a força da banda, podemos pegar uma música do quarto álbum da banda, chamada LOVE WILL COME THROUGH. De longe, não é a mais famosa deles, nem direi que é a melhor, mas é no mínimo uma grande música, que exibe tudo o que estou falando, desde os violões refinados que são tocados, até a tal sutileza que exala de grande parte das músicas da banda. Quanto à letra, entende-se que há uma pessoa aguardando o amor de outra, pedindo para que seja aceita, pois dessa forma um amor surgirá. Simples, porém, bonita.
Repetindo sempre sua fórmula, criando assim uma excelente identidade, o Travis alcançou um ótimo posto entre as maiores bandas dos últimos anos, embalando momentos de amor, criando trilhas sonoras para casais apaixonados, às vezes te acompanhando em uma “fossa”, tudo isso sem se tornar uma banda enjoativa e desinteressante a cada novo álbum.

Coldplay - Don't Panic

2010-02-12T15:05:00.000-08:00

A primeira música do primeiro álbum! Talvez não seja a primeira música produzida, nem a primeira tocada ao vivo, no entanto, é uma das músicas mais importantes da carreira musical de uma boa banda. Muitas vezes, a primeira música tenta retratar uma identidade para essa banda, além de ser um elemento de atração convidativa para aqueles que ouvem pela primeira vez o som produzido no álbum. Todos sabem o poder que uma porta de entrada bonita e elegante tem ao atrair pessoas a um recinto.
Exemplificando, Guns n’ Roses teve como sua primeira música de seu primeiro álbum a famosíssima Welcome To The Jungle. De alguma forma, essa música retrata como a banda de Axl e Slash pretendia encarar o mundo da música em sua carreira, com guitarras pesadas, gritos agudos, solos maravilhosos.
No entanto, para mim, o maior exemplo de música de abertura seria aquela da banda COLDPLAY, a bem sucedida DON’T PANIC. Do premiado álbum de estréia PARACHUTES, os britânicos do Coldplay trouxeram um som que se opõe àquela forte estréia do supracitado Guns n’ Roses, considerando que Don’t Panic conta com uma guitarra apenas para criar um som de base no início da canção.
Um leve violão, um teclado de apoio e a voz de Chris Martin. Foram os elementos que o Coldplay resolveu usar para trazer ao mundo a música de abertura de Parachutes, que em minha opinião, ainda é o melhor álbum deles. Outros singles desse álbum ganharam mais destaques em rádios e televisões, como Yellow e Trouble, isso é um fato, mas Don’t Panic cumpriu com sua função de retratar um pouco do que seria o Coldplay: músicas calmas, muitas vezes tristes, letras aparentemente superficiais, mas que podem ter significados fortes para pessoas que se identificam com o som, batidas gostosas e viciantes.
Talvez simplicidade seja a palavra que resuma essa música, que originalmente se chamava apenas Panic. Os poucos instrumentos usados, e a letra da mesma deixam isso claro. Seu refrão é embalado pro Chris Martin dizendo “nós vivemos em um belo mundo”, enquanto os outros versos retratam um mundo acabado. Simples, não?
Por fim, se a entrada é um ponto importante para atrair pessoas a um recinto, Coldplay conseguiu com pouca poluição atrair milhões de fãs para sua casa, e pode não ser exatamente porque conseguiu uma boa música de abertura (já que futuros singles se tornaram hits fenomenais ouvidos no mundo todo), mas com certeza para aqueles que gostam de conhecer origens e músicas iniciais de uma banda (como eu), não irão se decepcionar com o nascimento de Coldplay.

Radiohead - Karma Police

2010-02-04T12:06:00.000-08:00

Ainda me lembro daquele dia, no colegial, quando a professora de inglês pediu para que cada um dos alunos escolhesse uma música, na qual iríamos passar as próximas aulas ouvindo e analisando a letra. Eu, que estava louco para exibir meu OK COMPUTER do RADIOHEAD, escolhi a sexta faixa do álbum, a linda KARMA POLICE. Em casa fui fazer um relatório sobre a letra para entregar na próxima aula. Li a e reli algumas vezes a letra, e a única coisa que consegui pensar na hora é que ter escolhido essa música tinha sido um dos piores erros de minha vida escolar.
Enquanto todos os alunos teriam escolhido letras que transmitiam uma mensagem simples (como, por exemplo, “I will always love you”), eu estava imerso em diversas metáforas e pensamentos complexos encaixados perfeitamente em uma melodia por Thom Yorke e sua turma. Sim, eu dificultei minha própria nota.
Era uma questão de pesquisa, um olhar filosófico e um pouco de viagem para tentar se aproximar da proposta do Radiohead com Karma Police.
Comecei pesquisando sobre o álbum em si, o Ok Computer. Qualquer fã do Radiohead sabe o valor que esse álbum tem, e mesmo quem não gosta da banda, reconhece a importância desse álbum para a indústria musical. Sempre fui viciado nas músicas do mesmo, mas nunca tinha parado para analisá-lo como conjunto: metáforas, criticas, questionamentos, genialidade. Ok Computer coloca o capitalismo na cruz e não economiza pedras para detoná-lo, tudo com a sutileza dos teclados, do violão e da voz de Thom Yorke.
Quanto à música em si, encontrei diversas entrevistas que poderiam ajudar a “desvendá-la”. Na primeira, por Thom Yorke, era dito que Karma Police criticava as corporações. Há sentido, certo momento da letra o eu lírico critica seu chefe, talvez representante da corporação. Em uma entrevista com todos da banda, disseram que era só mais uma crítica ao capitalismo, como em todo o álbum (sabe aquela resposta que a banda dá quando está de saco cheio de perguntas? Então). Por fim, a mais divertida veio por Jonny Greenwood, guitarrista da banda, que disse que a música simbolizava a insanidade, tudo era uma metáfora da loucura, por isso nada fazia sentido na letra. Não deve estar nem perto do que eles realmente pensaram, mas não deixa de ter sido uma análise engraçadinha.
Interessante também é o nome da música. Polícia do carma é praticamente uma piada interna da banda, quando um integrante fazia algo errado, outros brincavam que essa tal polícia iria pegá-lo. Bacana, porém, não consigo imaginar ThomYorke se divertindo com seus companheiros entre piadas no estúdio.
Levei a análise insana da música, reunindo todas essas pesquisas e falando da beleza depressiva da melodia. Como o esperado, todos levaram letras fáceis e por isso, fui o único elogiado pela análise, que gerou um grande debate e uma boa nota para mim. No final, notei que ter escolhido Karma Police me fez aprofundar no Ok Computer, além de conhecer muito mais sobre a música que eu já ouvia há muito tempo, e de sobra levei uma grande nota para a casa. Não, não foi um dos piores erros que já cometi, e sim um acerto tão grande quanto ouvir Radiohead.

veja também sobre radiohead:
- Nude
- All I Need

Weezer - Say It Ain't So

2010-01-23T14:19:00.000-08:00

Dizem por aí que as aparências enganam. Pra quem viu a banda americana de rock alternativo WEEZER surgir em meados de 1994, só uma coisa deve ter passado pela cabeça destes: “olhem os perdedores que estão subindo no palco”! Caso estejam pensando que é nesse momento que eu contrario a afirmativa acima e digo que River Cuomo e cia não eram perdedores, estão enganados. As próprias músicas produzidas pela banda não negavam a história deles, “nerds” e “losers”. Mas foi justamente por essa nova aparência que surgia no cenário do rock que o Weezer alcançou o sucesso e em pouco tempo viravam os deuses musicais dos nerds.
Um único álbum e o Weezer já era considerado uma das bandas mais promissoras da década de 90. BLUE ALBUM, não é o nome oficial da obra, mas é assim que o trabalho de estréia do Weezer ficou conhecido (devido à capa ter os integrantes posando na frente de um fundo azul). Se me perguntarem, não negarei que esse é o álbum que mais gosto do Weezer, e mesmo depois de mais seis produções, nada parece ter superado a estréia fenomenal desse esquisito e adorado trabalho azul.
Caso apareça alguém para dizer que o fato deles serem diferentes e esquisitos não serve como requisito para fazerem sucesso, posso apresentar uma onda de argumentos: Acima de tudo, eles sabiam muito bem unir as coisas. Souberam unir suas influências clássicas de Pixies e Nirvana a um som único, souberam unir rock pesado a batidas leves, produzindo algo agradável e de fácil assimilação, além do fato de que as melodias criavam a atmosfera perfeita para as letras do vocalista Cuomo.
Se não foi argumento o suficiente, dou minha melhor indicação: SAY IT AIN’T SO. O terceiro single do Blue Album pode não ter sido o maior sucesso deles, mas é uma das maiores composições que o Weezer fez em toda sua carreira. A guitarra é trabalhada com perfeição, não é destaque apenas no solo encantador, mas é o elemento principal da música, na introdução, na ponte, no refrão, enfim, em todo o som. Quanto à letra, Cuomo fala sobre o dia que encontrou uma garrafa de cerveja na geladeira de casa, que o fez lembrar o episódio de separação de sua mãe com seu pai. Ele acreditava que o fato do pai ser alcoólico fez com que eles se separassem, e isso podia estar ocorrendo novamente, mas com o padrasto.
Garanti que a principal força do Weezer estava na capacidade deles de unirem diversos elementos diferentes entre si. Pois bem, eis a principal fórmula do sucesso da banda: Souberam unir o universo nerd ao universo musical, agradando não só a aqueles que se identificam com as letras, mas também a todos aqueles que curtem uma boa música de rock.

The Kooks - Gap

2010-01-14T10:52:00.000-08:00

Só quem já foi a um show assistir uma de suas bandas preferidas sabe da emoção e alegria que invade seu corpo na hora que essa banda sobe no palco e acena para o público delirante. Aquela empolgação durante a primeira música, a energia liberada durante aquelas mais agitadas, a emoção de erguer suas mãos no ar durante as mais lentas, enquanto todos ao seu redor entoam junto os refrões que você tanto ouviu no seu rádio, com a diferença que a banda está na sua frente, cantando junto com você.
E naquele momento que começam os primeiros acordes de sua música favorita, é quando você sente que sai do corpo e torce para que aquele minuto dure pra sempre. No entanto, pode já ter acontecido com você, uma infeliz situação onde a banda escolhe não tocar essa música, sua preferida. Se for aquela faixa do cd quase desconhecida, há mais probabilidades disso ocorrer. Mas se é uma música muito querida por todos, e mesmo assim não é tocada em shows, é porque há alguma história por trás dela. Aconteceu comigo no show da banda THE KOOKS. Alguns dias antes do show descobri que não tocavam uma das músicas mais adoráveis deles, a linda GAP. Imaginei que havia uma história por trás dela, corri atrás, e descobri.
Formada em 2004, The Kooks é uma banda britânica de Indie Rock que vem garantindo sucesso, boas críticas, respeito e muitos fãs com seus dois únicos álbuns lançados. Gap se encontra no segundo álbum, KONK, que traz diversas músicas agitadas e dançantes, temperado com três ou quatro músicas mais calmas. Gap, que entra nesse time, tornou-se uma das músicas mais amadas pelos fãs do Kooks, mas ainda assim os britânicos jamais chegaram a tocá-la em nenhum show. Por quê? A resposta veio em uma entrevista ao jornal The Sun, feita com o vocalista da banda Luke Pritchard.
Gap foi escrita por ele e pelo baterista da banda Paul Garred. Quando Paul tinha 18 anos, seu pai faleceu, perda compartilhada pelo vocalista que também perdeu seu pai quando era criança. Quando tentaram tocar essa música após as gravações, a emoção tomava conta dos integrantes, e nas palavras de Luke, ele não conseguia lidar com isso. Por isso Gap é um tesouro que pode ser aproveitado apenas pelo álbum e infelizmente longe das setlists dos shows do The Kooks.
A música que pode ser interpretada em uma leitura mais superficial como se fosse direcionada a uma garota – quando pede, por exemplo, para que a pessoa não a deixe e aceite seu amor (“But don't go and take my love, I won't let you, I'm saying please don't go”), ganha diferente conotação quando a ouvimos sabendo que foi feita para seus pais, e parece muito mais bonita e emocionante também.
Eis a importância de procurar se informar quando há algo estranho como o fato de uma de suas bandas preferidas não tocar uma de suas melhores músicas no show. Podemos ficar chateados e aborrecidos, mas antes de tudo temos que respeitar Luke, Paul, a banda em si, pois respeito é primordial, tal como a compreensão de que nem sempre tudo ocorre como nós desejamos. Resta-nos curtir em nossas casas a belíssima Gap.

Say Hi To Your Mom - Pop Music Of The Future

2010-01-05T12:20:00.000-08:00

Quantas vezes não nos encontramos em uma situação de nervosismo onde tudo o que precisamos é de um lugar para deitar uma boa música para relaxar? Talvez eu não possa indicar o local ideal para seu descanso, mas tenho a música perfeita para um momento onde sua prioridade é ficar calmo: POP MUSIC OF THE FUTURE, da banda SAY HI TO YOUR MOM.
A banda tem suas curiosidades, começando pelo fato de que não é bem uma banda. Say Hi To Your Mom é na verdade um projeto de um único artista, Eric Elbongen. Nascido na Califórnia, Eric compõe, canta, toca e cria sons no computador para criar belos produtos finais como música. Em tour, alguns amigos o acompanham para tocar algumas canções, e quando não estão presentes, Eric toca com o auxílio de máquinas que ele chama de robôs, que criam os sons necessários para o show sair da maneira que deve ser. Outra curiosidade é quanto ao nome que, embora inusitado e criativo, foi diminuído recentemente apenas para Say Hi. Uma pena.
Mas a mudança de nome da “banda” não altera a qualidade de suas músicas. Em algumas, Eric se utiliza de batidas eletrônicas que se repetem e criam uma atmosfera dançante se contrastando com sua voz calma, em outras Eric parece criar a melodia para acompanhar perfeitamente seu tom relaxante de voz, onde entra Pop Music Of The Future. A canção abre o segundo álbum da banda – Numbers & Mumbles – e com uma levada eletrônica tranqüilizante é capaz de cativar instantaneamente aquele que a ouve pela primeira vez.
Cada um tem seu método para relaxar, alguns contam até dez, outros preferem meditar, alguns gostam do silêncio, outros só relaxam após muito barulho. Mas para aqueles que gostam de relaxar com um sonzinho no rádio de cabeceira, Say Hi traz a música ideal, misturando elementos sonoros criados no computador com uma das vozes mais fleumáticas do cenário musical.

Cold War Kids - Hospital Beds

2009-12-29T10:32:00.000-08:00

Dizem por aí que as músicas mais chatas e irritantes são aquelas que grudam na cabeça. Eu discordo. Talvez seja verdade que muitas músicas consideradas ruins infelizmente ocupam às vezes um espaço em nossa mente, enquanto lutamos para expulsá-las cantando o refrão de boas músicas na tentativa de substituir Claudia Leite por Guns N’ Roses. No entanto, muita música boa parece ter chiclete em sua composição, grudam em nossas línguas e se repetem por semanas em nosso mp3 mental.
Se há alguma fórmula para uma música se instalar no nosso cérebro por muito tempo, essa eu não sei, mas parece que a banda americana de indie rock COLD WAR KIDS sabe e abusa dessa fórmula. Com seu álbum de estréia ROBBERS & COWARDS, a banda apresentou ao mundo em 2006 uma obra lotada com essas músicas que grudam e monopolizam suas cantorias mentais, e com uma vantagem incrível: as músicas são excelentes!
HOSPITAL BEDS, o segundo single do álbum, é uma prova que Cold War Kids produz músicas com genialidade e a tal fórmula chiclete. Talvez o segredo esteja no ritmo das músicas, sempre marcantes em cada canção da banda, que são assimilados com facilidade pelo ouvinte. Consistem na repetição de um som criado por instrumentos que variam de canção a canção, que se mostram presentes em toda a música. No caso de Hospital Beds, a música é marcada pelo teclado. O mesmo que inicia a canção é uma marca para toda ela, cria todo o clima soturno para a melodia, acompanhado pela voz diferente e ao mesmo tempo bem aceita do vocalista Nathan Willett.
Na letra de Hospital Beds, temos uma persona desesperançosa que descreve em poucas palavras e algumas metáforas como é estar em uma cama de hospital. Pode parecer um tanto doentio uma música sobre essa situação, no entanto a espontaneidade de Cold War Kids permite que eles façam música de diversos assuntos com originalidade.
Talvez as músicas de Cold War Kids não grudem em nossas cabeças devido a alguma fórmula que resulte nisso. Talvez as músicas sejam apenas boas o suficiente para que a gente grude nelas, cantando por repetidos dias refrões como o de Hospital Beds.
“Put out the fire boys, don’t stop, don’t stop”.

Radiohead - All I Need

2009-12-23T12:18:00.000-08:00

Falar de amor. Quase toda banda sempre fala de amor. Parece impossível a um músico compor sem citar o amor. Deve ser porque este é o sentimento mais forte que alguém pode sentir, e tal como cada pessoa tem seu modo de expressar o amor, cada banda tem seu jeito de criar baladas românticas.
Já falei de Radiohead antes no artigo sobre a música Nude, no entanto em um fórum da banda onde eu tinha divulgado o texto contestaram o fato de a música ter sido feita há dez anos e eu estar usando-a como prova de que a banda continua proporcionando obras de arte como seu último álbum. Portanto esse artigo fala de uma música legitimamente feita para In Rainbows, ALL I NEED, que por sua vez fala desse assunto saturado para alguns, mas uma fonte interminável de inspiração para outros, o amor.
As baladas românticas, músicas lentas que conquistam popularidade com mais facilidade, variam entre cada banda e não tem uma fórmula que possam defini-la. Uma baladinha de Bryan Adams, por exemplo, é totalmente diferente daquela feita por Radiohead. All I Need pode ilustrar bem esse estilo da banda inglesa de Thom Yorke: as guitarras cumprem um papel de criar um clima pesado e desesperançoso à música, o baixo traz beleza a esta, enquanto a letra diz “você é tudo que eu preciso” de uma forma um tanto depressiva, considerando que se constrói sobre frases como “eu sou todos os dias que você escolhe ignorar”.
Para o final da música temos a ascensão do piano, oculto nas primeiras partes pelos outros instrumentos, mas que aparece para dar outra vida à música, trazer um clima de esperança enquanto a letra finaliza com um aparente contraste que se repete: “Está tudo errado, está tudo certo, está tudo errado...” e assim por diante. Como em todo In Rainbows, a carga metafórica da música é tão alta quanto sua beleza.
Baladas românticas sempre existiram e sempre irão existir para agradar a todos apaixonados e que adoram uma música mais calma. Até mesmo as bandas que fogem do tema “amor”, não escapam de produzir uma baladinha para trazer força ao álbum. E como cada banda produz música de seu jeito, All I Need reforça o estilo de Radiohead para falar de amor. Quando perguntado para um amigo meu o que ele achava dessa música, respondeu de primeira: “meio fraca, esse romantismo está mais para Coldplay”. Eu discordo; afirmo que ela tem um trabalho excepcional na interação entre os instrumentos, traz muita força para In Rainbows, e como cada artista tem seu estilo de fazer baladas, posso duvidar que Chris Martin crie músicas com a letra e a carga angustiante de All I Need, típica de Radiohead.

Arcade Fire - No Cars Go

2009-12-19T12:09:00.000-08:00

Estrear no mundo da música com um álbum explosivo, aclamado pela crítica e comprado por milhões de pessoas é uma faca de dois gumes; por um lado é sempre favorável um reconhecimento imediato de sua obra, sua estréia é traduzida em milhares de fãs, apresentações bem sucedidas, aparições significativas na mídia, dinheiro no bolso. Por outro lado, a pressão de que a banda produza um segundo álbum tão bom ou melhor que o anterior é enorme, cria-se uma expectativa que pode terminar em frustração e decepção dos fãs caso o cd seja mediano. Esta pressão foi sentida na pele pelos membros da banda ARCADE FIRE, que depois de produzirem um álbum de estréia genial – o aclamado FUNERAL – a banda canadense teve que provar muita competência para a gravação do segundo álbum chamado de NEON BIBLE.
E conseguiram provar. Embora muita gente prefira o primeiro álbum, Neon Bible não deixou nenhum fã na mão. Lançado em 2007, a obra apenas confirmou o que muitos já sabiam com a chegada de Funeral: Arcade Fire é uma das melhores bandas do circuito indie da última década. Críticos consideram que a banda consolidou o indie rock como gênero musical, junto com bandas como The Shins e Modest Mouse.
Tudo relacionado à Neon Bible é incrível e inusitado. E não falo apenas das músicas contidas nele. Desde a gravação do álbum (feita dentro de uma igreja) à divulgação do mesmo (um site bizarro que deixava um número de telefone onde quem ligasse acabava por ouvir o primeiro single do novo cd) criam uma singularidade encontrada em poucas obras na atualidade.
Quanto às músicas, o que mais deve importar, um prazeroso conjunto de instrumentos inusitados e vozes masculinas e femininas criam um clima soturno, sombrio e alegre simultaneamente ao álbum. Se perguntarem minha opinião sobre qual música representa o álbum, respondo sem pensar: NO CARS GO. O terceiro single de Neon Bible é intenso, bonito e traz uma felicidade àquele que ouve que simplesmente surge com os acordes e a bateria forte da música.
No Cars Go foi baseada no projeto de um ex-membro da banda, Brendan Reed (o qual pode ser encontrado em www.nocarsgo.org), e tal como todas as letras de Neon Bible, sua composição permite diversas interpretações, cabendo ao ouvinte viajar na melodia enquanto sua mente caminha por algum lugar onde não há trens, aviões, naves especiais, navios e – obviamente – não há carros. O piano da parte final da música traz uma estranha sensação de paz que muitas vezes obriga a pessoa que ouve a música a dar um replay na mesma.
Muitas bandas não agüentam a pressão e se perdem na missão de criar um álbum tão bom quanto o seu de estréia. Com músicas como No Cars Go, a banda Arcade Fire cumpriu sua missão com sucesso.

Radiohead - Nude

2009-12-17T11:28:00.000-08:00

Radiohead é uma banda que causa controvérsias no mundo da música. Para alguns, é de longe a melhor banda das duas últimas décadas, possui o melhor rock alternativo já feito, e aos mais exagerados, uma das únicas bandas que prestam na atualidade. Para outros a opinião caminha do lado oposto, afirmam que Radiohead é endeusado pela mídia e superestimado por fãs. Opiniões e gosto musicais são discutíveis, mas fatos não. A verdade é que Radiohead – a banda inglesa formada em 1988 sob o nome de “On A Friday” – conquistou milhões de fãs pelo mundo e por onde passa deixa estádios lotados para apreciar sua música.
Em 2007 a banda chegou ao seu sétimo álbum, intitulado de IN RAINBOWS, e se Radiohead divide opiniões entre os admiradores e críticos, “In Rainbows” dividiu opiniões entre os próprios fãs da banda. Enquanto alguns preferem ignorar o álbum sob o pretexto que produzi-lo foi o maior erro cometido pela banda em toda sua carreira, temos inúmeros fãs que dão total apoio ao álbum, para os quais não faltam elogios para descrevê-lo.
Se perguntarem minha opinião sobre esta discussão sou direto: In Rainbows é um dos melhores álbuns produzidos pelo Radiohead. Não é necessário ser um gênio da música para saber que é raro uma banda chegar ao seu sétimo álbum com tanta força e tantas músicas boas quanto os álbuns que a consagraram no auge. No caso de Radiohead, tentam comparar In Rainbows com álbuns fantásticos como “Ok Computer” e “Kid A”, produzidos em 1997 e 2000 respectivamente. Se por um lado In Rainbows não consegue superar seus antecessores, consegue trazer músicas lindas e experimentais com o tempero depressivo que sempre foi uma identidade do Radiohead, como a canção NUDE.
Embora a música supracitada tenha sido tocada ao vivo a primeira vez em 1997, foi aprimorada e selecionada para um álbum apenas dez anos depois, sendo o single mais ouvido de In Rainbows, e o mais aclamado pela crítica. Nude tem um perfeito tom melancólico, com uma carga bem depressiva que pode não agradar àqueles acostumados a canções felizes, mas que afeta o emocional de qualquer ouvinte. O baixo da música é um show à parte; tente ouvir Nude deixando o baixo em primeiro plano e os falsetes do vocalista Thom Yorke em segundo e você notará o poder da música que está entrando em seus ouvidos.
Nude é apenas uma amostra do que o In Rainbows oferece. A canção que diz “não tenha grandes idéias, elas não irão acontecer” é um aperitivo para qualquer um se deliciar com este álbum da banda inglesa, que pode não ser a maior das últimas décadas nem uma banda qualquer superestimada por fãs, mas que no mínimo tem competência para chegar ao sétimo álbum com a vitalidade de uma banda em seu auge.

Athlete - Wires

2009-12-14T12:27:00.000-08:00

Não é preciso ser sociólogo para notar que o comportamento de muita gente busca sempre a popularidade. Seja na escola, no trabalho, em alguma festa, ser conhecido e popular entre as pessoas se torna o sonho de uma porção de pessoas, que tentam atrair essa popularidade a qualquer custo, passando a impressão de que para alguém ser bem sucedido, precisa ser conhecido por todos.
No mundo da música aprendemos o quanto essa linha de pensamento é equivocada. Tal como nem sempre os artistas mais ouvidos e discutidos pela mídia são os mais agradáveis aos ouvidos, podemos encontrar entre os artistas desconhecidos verdadeiros tesouros musicais, obras perfeitamente trabalhadas, com a harmonia perfeita entre composição e canção, como uma boa música deve ser.
Se me perguntarem qual meu álbum preferido de música não terei dúvida ao responder: TOURIST, da banda indie ATHLETE. O quarteto inglês formado em 1999 já tem quatro álbuns nas costas com refinadas obras de piano-rock e rock alternativo no geral. Tourist foi o segundo trabalho da banda lançado em 2005, e como abre alas trouxe o fantástico single WIRES.
Wires é aquela música que sensibiliza até os mais fortes, fazendo aquelas pessoas que se entregam facilmente à emoção derramarem lágrimas ao som do teclado que embala a canção. A melodia e a letra trazem uma triste melancolia que juntas trabalham como uma voz na consciência de quem ouve e aprecia o som que lhe faz exclamar “que bela música”. Embora a banda goste de falar de amor, Wires foi escrita pelo vocalista Joel Pott para seu filho que nasceu prematuro, falando sobre a primeira noite de vida desse, e da esperança do pai de ver o filho bem de saúde: "You got wires, going in / You got wires, coming out of your skin”; “I see it in your eyes /You'll be alright”. Iniciei este blog falando desta música do Athlete não em vão: Wires é uma das músicas mais bonitas que já ouvi desde que me conheço como gente.
Athlete é mais um excelente argumento que prova que o reconhecimento não dita se uma banda é boa ou não. De repente nos damos com a sorte de encontrar entre bandas desconhecidas um álbum tão encantador e bonito como Tourist, com músicas perfeitas como Wires, e então temos aquela certeza que o mundo da música não é composto apenas pelos “populares” ou “conhecidos por todos”, mas também por pérolas escondidas como Athlete.